El dibujo, conceptos básicos

El dibujo es el inicio de toda obra de arte, es la base estructural de cualquier proyecto artístico. El primer paso para crear una pintura consiste en esbozar, es decir, crear el dibujo preparatorio para que sirva de guía para la consecución de la obra de arte. Por esta razón, es esencial aprender a dibujar bien. En este artículo, voy a explicar varios puntos importantes para iniciarse en el dibujo

Materiales Básicos en el dibujo

La elección del material en el dibujo es de gran importancia, pues de ello dependen los efecto gráficos que se derivan, que pueden ir desde el dibujo realizado con suaves líneas intensas, gestuales e impulsivas. Por lo tanto, el primer paso para aprender a dibujar es familiarizarse con los materiales básicos del dibujo. A partir de distintas pruebas se descubrirá que cada medio de dibujo ofrece unas características particulares.

El dibujo con lápiz de grafito

El lápiz es el instrumento más extendido para realizar el dibujo. Está compuesto por una mina que mezcla grafito natural con arcilla insertada en un palo de madera. El lápiz se caracteriza por su fácil manejo, ya que es un medio poco quebradizo y muy limpio. La línea puede verse alterada variando la presión ejercida con la punta y la inclinación del lápiz. Con una suave presión y una punta redondeada, la línea resultante se muestra débil, mientras que con mayor presión y con la punta afilada el trazo es intenso. Si lo que se quiere es dar sombras, se debe inclinar el lápiz unos 45 grados.

Los lápices de grafito se clasifican según su dureza; los lápices blandos tienen una mina más gruesa y grasa, y su trazo en el dibujo es muy intenso, pero tiene el inconveniente de que la punta se gasta con mayor facilidad. Estos lápieces están marcados con la letra B acompañados por un número que define el grado de dureza. Por otra parte, los lápices duros son de un gris más pálido, y, debido a su mayor consistencia, mantienen durante más tiempo su punta afilada y el trazo resultante más apagado. En este caso los lápices llevan una H y son ideales para dibujos de gran precisión o en aquellos en los que se desea obtener un resultado muy limpio.

El dibujo a carbón y sus derivados

El carboncillo es un trozo de rama carbonizada que tiene un alto poder de pigmentación. Su trazo es negro aunque poco consistente, ya que es fácil borrarlo, pero es esta peculiaridad lo que lo hace el favorito para los que están empezando y para los artistas a la hora de comezar una obra de arte en un lienzo. El carboncillo facilita el manchado rápido y las correcciones oportunas (esta técnica es la que se pide en las pruebas de acceso de BBAA).

El carboncillo es muy útil para combinar el trabajo lineal con efectos de sombreado que se consigue fundiendo y difuminando los trazos con la yema de los dedos. La facilidad con la que se desprende el pigmento adherido en la superficie del papel permite obtener ricos matices y gradaciones de calidad llegando a parecer pictórica.

Las barras de carbón se fabrican en bastones de un diámetro de entre 1,5 a 5 centímetros. Su longitud oscila entre los 11 y los 15 centímetros. También pueden adquirirse el lápiz y la barra de carbón compuesto o prensado. Esta última se trata de una mina de carbón vegetal pulverizado y mezclado con cola. Su trazo es más intenso y cuesta más de difuminar.

Uso de trapos y difumino en el dibujo

El dibujo con técnicas de frotación, como el carbón, la sanguina o las cretas, requiere el uso de un trapo de algodón para borrar o rectificar. Si se prefiere, se puede adquirir un difumino, un cilindro de papel que se utiliza para difuminar el pigmento sobre el papel. Este utensilio es aconsejable cuando se trabaja en dibujos de pequeño formato. Para los amplios difuminados, se recomienda frotar con la palma de la mano o la yema de los dedos, según el tamaño del dibujo. Para borrar se utilizará una goma maleable, especial para carboncillo.

El dibujo a plumilla

Consiste en una punta metálica que se inserta en el mango de madera. Al sumergir la punta en tinta china retiene una carga que deposita sobre el papel con cada trazo. El dibujo a plumilla es lento, pero es el complemento ideal a las aplicaciones con aguada. Existen diferentes tipos de puntas metálicas que dar lugar a diferentes tamaños de trazo y que pueden intercambiarse e insertarse en el mango según se necesite.

Soportes para el Dibujo

El soporte natural para el dibujo es el papel. Cada medio de dibujo descrito requiere el uso de un papel determinado. Para el lápiz de grafito es recomendable el uso de papeles satinados o de grano fino. El papel para el carbón y las cretas deberían retener mejor el pigmento en polvo del dibujo, por esto se recomiendan los de grano medio o los berjurados. Si se trabaja con aguadas, la elección debe ser la de papeles de acuarela, o en su detrimento, papeles más gruesos y que absorban mejor el agua sin doblegarse. El papel de grano grueso suele reservarse para el dibujo con sombreados enérgicos y pocos detalles.

Espero que todo lo expuesto hasta ahora en este artículo, te anime a comenzar a aprender a dibujar, ensayando con alguno de los materiales descritos para conocer en que medio te sientes más cómodo.

Páginas web que funcionen, cómo posicionarlas

Páginas web existen millones en internet, sin embargo, solo unas pocas consiguen tener la importancia suficiente para aparecer en los primeros puestos de los buscadores, lo que les permite ser los más fuertes frente a sus competidores y ganar más popularidad y clientela. Los buscadores más conocidos, entre ellos Google, utilizan una paridad de factores para que se produzca el posicionamiento natural dentro de todas sus bases de datos. Podemos afirmar hoy en día, que tanto la relevancia como la autoridad de las páginas web es lo que más importancia se da a la hora de conseguir un buen posicionamiento.

Los dos principios claves para conseguir posicionar una página web son la relevancia y la autoridad.

Pasemos a desglosar estos dos términos para poder comprender mejor en qué consisten y cómo podemos luchar para mejorar estos dos factores.

Factores clave para posicionar páginas web

Autoridad de las páginas web:

Este término engloba el número de enlaces dispersos en la red que apuntan a las páginas web que estamos trabajando para posicionar. Debemos tener en cuenta, que no todos los enlaces valen lo mismo, puesto que si la página web que tiene un link a nuestra web tiene ya una nota alta para los buscadores, su valor será mucho más elevado que si lo hace una web con apenas popularidad.

Si eres diseñador gráfico o diseñador web, estarás ya familiarizado con el término Page Rank, si estás empezando en este mundillo, te aconsejo que te empapes cuanto antes de toda esta terminología, ya que los necesitarás a la hora de conseguir el tan deseado posicionamiento de las páginas web. La autoridad es conocida también como Trust Rank y está vinculado al primer término, Page Rank, que es precisamente lo que comentaba anteriormente sobre el valor de los enlaces dependiendo de la reputación de la web que se inserte links apuntando a tu sitio web.

La tarea para conseguir autoridad de las páginas web en los buscadores es ardua, precisamente es por esta razón, que nacen nuevas profesiones relacionadas con marketing online y posicionamiento SEO.

Debemos asegurarnos de no utilizar técnicas que los buscadores penalicen, ya que sino todo nuestro trabajo será en vano. Si te cazan haciendo trampa, tu página no tendrá ninguna opción de posicionarse y se volverá invisible de cara al público. Así que ojo con no seguir las reglas del juego que los buscadores imponen, si buscas atajos, te arriesgas a quedar fuera del juego.

Relevancia de las páginas web:

Los buscadores se basan en arañas para rastrear el contenido que las páginas web publican. Estos robots de búsqueda determinan el valor del contenido publicado buscando entre los términos y palabras clave para posicionar las páginas web.

Dicho esto, se puede concluir que es esencial actualizar el contendido de manera periódica, así como que este contenido debe ser escrito siguiendo una serie de pautas para que las arañas de los buscadores las valoren de la mejor manera.

¿Cómo debemos crear nuestro texto?

El contenido debe ser coherente y que interese al lector, utilizando las palabras claves con las que te quieres posicionar, esta palabras clave deben aparecer con una densidad del 2,5%, en los enlaces, en las descripciones de las imágenes y en las cabeceras.

Llegado a este punto, voy a señalar otro término que es el algoritmo The Hilton Algorithm, el cual usan los buscadores para evaluar los contenidos más relevantes. Es importante añadir, que si cada página web debe especializarse en un contenido determinado, que obviamente estará relacionado con su área, es decir, que tu página web es sobre una bodega de vinos, no te dediques a hablar sobre manuscritos orientales o helados artesanales por poner algunos ejemplos. Para demostrar que eres experto en tu campo, el contenido de tu sitio web debe contener información sobre tu sector y que otros de tu sector quieran poner links en sus páginas web apuntando a la tuya.

En definitiva, para que una página web funcione, no solo debe tener un diseño atractivo, sino que debe cumplir una serie de requisitos para que aparezca entre los primeros puestos de los buscadores, y especialmente los dos conceptos comentados, la autoridad y la relevancia.


Paperblog

Arte y las subastas para su venta

El arte  ha ido cambiando a lo largo de la historia con respecto a los cambios sociales, culturales y tecnológicos. Estos cambios han permitido que la obra de arte llegue a todos los rincones del mundo.

Cuando un artista termina su obra, tiene la posibilidad de conservarla para sí mismo, así como para exposiciones que realice, o por otra parte, que pase a terceros por motivos muy diversos; necesidad económica, reconocimiento, falta de espacio, etc. Sin embargo, como pintora y habiendo compartido experiencias con otros artistas, puedo asegurar que en la mayoría de los casos desprenderse de una obra de arte no es fácil porque es una creación propia, realizada con mimo y corazón, y por tanto, la despedida es como arrancarte un “chachito” de su ser.

En la mayoría de los casos, el artista es quien comercializa sus obras de arte, llevando la publicidad, promoción y venta, toda esta auto-gestión supone un esfuerzo y un tiempo que no dedica a la producción artística. Sin embargo, el principal problema es que muchos artistas son buenos en lo suyo pero carecen de capacidad comercial.

Existen otras vías para vender las obras de arte, como galerías, marchantes y casas de subastas. Estos mecanismos tienen sus pros; menos esfuerzo para el artista y mayor dedicación de tiempo a crear, y sus contras; mayor coste económico, resta libertad y autonomía al artista y crea empleo para los intermediarios.

Hoy me gustaría centrarme en las casas de subastas.

Venta de arte en subastas

Hoy en día los inversores son más sofisticados y con mayor conocimiento gracias a la inmensa cantidad de información disponible en internet. Además desde 2010 después de una crisis para el arte muy pronunciada, la venta de arte parece estar remontando a través de otros métodos, como son las subastas online o físicas.

Sin embargo, para el mercado español el panorama es bastante diferente. Madrid y Barcelona son los protagonistas de acogida de las principales casa de subasta. Citemos algunos por si os interesa en algún momento vender o comprar a través de ellas; Subastas Alcalá, Ansorena, Durán, Goya, Sala Retiro o Segre celebran subastas de arte con una periodicidad entre mensual y trimestral en Madrid, y en Barcelona, Balclis, Bonanova, Lamas Bolaño y Setdart.

Sin embargo, nuestras ciudades no son Londres o Nueva York, más bien parece hasta que fueran cosas distintas y tampoco las cifras se acercan ni por asomo.

El boom económico anterior a la crisis dio lugar a ventas elevadas, en las que todo se vendía y a cualquier precio. En la actualidad, la situación ha cambiado, y con ella la demanda y sus intereses. Los coleccionistas y compradores se han vuelto más conservadores y no invierten sin haber sopesado bien los riegos que conlleva. Los precios que se pagaban antes por obras de arte hasta 6.000 euros, hoy en día no se pueda cobrar por más de 800 euros. Es un momento complicado para los artistas y más aun para los emergentes, y aunque nunca ha sido tarea fácil, hoy es más complejo que nunca. En líneas generales, el precio de una obra de arte depende de muchos factores, la cotización del artista, la época, el tamaño de la obra de arte y por último, la temática.

En España, podemos decir que las casas de subastas reciclan la obra que no asumen las galerías de arte. “Ahora hay una desconfianza absoluta, más todavía si no hay un galerista detrás diciéndote que va a subir. Si antes ya era complicado vender la obra de un artista emergente, ahora lo es más”. Marta Cuadros, directora de Subastas Segre.

Además, en nuestro país el IVA es asumido por el comprador y el 4% sobre el remate de obras superiores a 1.200 euros corresponde al vendedor, y como consecuencia está provocando que el sector se vea muy afectado y las ventas bajen drásticamente

En resumen, podemos decir que es un buen momento para comprar y no tanto, para los artistas vender. Así que si estás pensando en adquirir obras de arte, no dejes pasar la oportunidad.

Falsas creencias sobre diseño gráfico

Diseño gráfico

El diseño gráfico forma parte de la mayoría de los elementos cotidianos que nos rodean, ya sea en forma de paquete de cereales o la etiqueta de un vino, una revista o periódico, el poster de la marquesina de la parada de autobús o la taza en la que desayunas. De igual manera, el diseño gráfico hoy más que nunca es vital para que cualquier empresa pueda comunicar efectivamente y destacar por encima de sus competidores. Sin embargo, por alguna razón, el diseño gráfico se ha convertido en una profesión en este país muy devaluada.

Si eres diseñador/a gráfico te habrás encontrado en incontables ocasiones con clientes que quieren “un diseño rápido”, para abaratar costes. Esto ocurre porque a veces no se le da el valor que tiene a la profesión de diseño gráfico, donde se cree que diseñar es una cosas sencilla y que los programas lo hacen todo.

Si todo esto te resulta familiar y lo has vivido de primera mano o te interesa entender un poco más que involucra el diseño gráfico, sigue leyendo sobre ciertos mitos que he ido recopilado sobre el diseño gráfico.

Creencias en diseño gráfico erróneas

  1. Los diseñadores nos dedicamos a hacer “dibujitos”. Creo que no hay diseñador gráfico que no haya escuchado al menos una vez (aunque serán muchas más) esta frase en boca de un cliente, un conocido o colega de trabajo.
    Lo que realmente hacemos los diseñadores gráficos es encontrar soluciones específicas para crear una comunicación visual efectiva. Te puedo asegurar que eso requiere destreza, conocimiento, así como estudiar las tendencias y al público objetivo al que se dirige el diseño gráfico.
  1. Photoshop y la varita mágica. Realmente hay más de uno, y de dos, y de tres… que aun creen que con el programa Photoshop es dar a un botón y que todo el trabajo se hará solo por arte de magia.
    Sin conocimientos técnicos del programa, por una parte, e ideas originales que plasmar por medio del software, el programa por si solo no hace nada.
  1. El trabajo de un diseñador gráfico es coser y cantar, cualquiera podría hacerlo sin gran esfuerzo, ya que es el ordenador el que hace el trabajo y no el diseñador gráfico.
    Sin embargo, la profesión de diseño gráfico es muy exigente, requiere de alta dosis de motivación, energía y pasión por el diseño gráfico, ya que diariamente tenemos días de entrega, entender que quiere el cliente, saber vender las ideas y cobrarlas debidamente, así como buscar clientes que necesiten soluciones gráficas.
  1. Estamos más que nunca en la época de ahorro, y por lo tanto, los clientes piden diseños “económicos”. Esto se traduce, en que no se valora la profesión del diseñador gráfico, porque cuando uno va al dentista no regatea el precio, o al electricista la pide una rebaja por sus servicios.
    Un buen diseño, si es simple mejor, no quiere decir que sea fácil de realizar, sino que la capacidad analítica y creativa es esencial para lograrlo. Para llegar a una idea buena, se requiere un largo periodo de reflexión y varias pruebas para alcanzar la meta. Para ser un buen diseñador gráfico hacen falta ganas y dedicación, muchas horas de trabajo, y como cualquier profesional queremos cobrar por nuestro tiempo y habilidades adquiridas con la experiencia.
  1. Se tiende a pensar que el diseño gráfico lo puede realizar cualquiera, solo hace falta aprender sobre los programas con un poco de tiempo en casa. No cabe duda con esta afirmación que la profesión de diseño gráfico está infravalorada.
    Diseñar no es solo conocer los programa de diseño gráfico del mercado, consiste en emitir mensajes y conceptos de forma clara, los diseñadores gráficos somos comunicadores visuales de ideas y para ello es necesario, dominar el color, la tipografía y simbología, entre otras cosas.

Con este artículo, me gustaría poder hacer entender un poco más la profesión del diseñador gráfico a toda la gente, y por otra, si eres diseñador gráfico, comunicarte que no estás solo y cosas como las mencionadas anteriormente nos ocurren a todos.

¿Qué es considerado arte hoy en día?

El dinero en el arte

Desde hace años me pregunto porque unos artistas cobran precios desorbitados por sus cuadros, mientras la gran mayoría luchamos por un reconocimiento digno de nuestra obra ¿Quién está detrás de todo esto? ¿El arte se ha vuelto objeto de especulación?

Desde mi punto de vista al arte en todas sus facetas, se le debería dar más valor en nuestras sociedades, puesto que la expresión artística es lo que nos distingue de los animales, lo que nos emociona y nos hace elevarnos a otra dimensión

Sin embargo, se ha vuelto un mercado donde galerías con un nombre, curadores-especialistas y los coleccionistas de arte, los cuales en su gran mayoría no son entendidos sino meros especuladores, hacen “mercadeo” del arte para generar más beneficios a su favor. El arte se ha vuelto pura mercancía, donde no es apreciado su contenido artístico, sino el poder y dinero que otorga a unos pocos.

El mercado especulativo del arte

Los artistas crecen a la sombra del capricho de estas personas que se hacen llamar “entendidos de arte”,  pero que más bien son negociadores e interesados de su propio ego. El “artista” es una marioneta dejada de la mano de galerías e inversores que dictaminan la tendencia artística y su propia personalidad. Es un producto financiero más donde lo esencial no es su lado humanista sino la cantidad de dinero que se puede obtener a través de él, es un negocio de los que solo unos pocos privilegiados le sacan tajada.

Cuando hablamos de grandes sumas de dinero (como es el caso de las cuantías que cobran los futbolistas frente a otros deportistas) por un cuadro, se distorsiona el propio sentido del arte. Esa obra pierde su “alma” para convertirse en un objeto de exhibición dentro de los sectores elitistas. El público dejará de ver la obra como arte sino como una pieza millonaria colgada en la pared.

Si bien es importante la venta de las cuadros, este no debería ser su fin último, sino que debería existir un equilibrio entre creación y comercialización. De la otra manera el arte se pervierte.

Y yo me pregunto ¿cuando los artistas empezaron a permitir que sus obras ya no estuviera en sus manos y que el control lo tomaran otros, que la especulación económica impusiera las tendencias y el futuro del arte?

Por suerte o por desgracia, según para quién, no estoy en ese “mundillo” especulativo, y de momento seguiré disfrutando de esta pasión que tantas alegrías me trae, explorando nuevos medios y técnicas, así como escarbando en mi interior emociones que lleguen a aquel que se pare a observar mis pinturas.

El arte y la emoción van de la mano

El arte y la emoción van de la mano

Lo que distingue al ser humano de otras especies es la capacidad de transmitir emociones  a los otros y emocionarse. ¿De que manera lo conseguimos? La respuesta es sencilla, a través de la expresión artística; ya sea la danza, la música, la interpretación, la pintura, la fotografía o la escultura.

¿Cuando escuchas una determinada melodía no se te despiertan infinidad de sentimientos? Tal vez te haga viajar en el tiempo con un recuerdo del pasado, una situación que te conduce a la alegría o la pena, quizás cuando la escuchas te llena de energía o se te saltan las lágrimas por una letra que te llega al corazón…

Si miramos un cuadro, estamos viendo el alma del artista, pero también trocitos de uno mismo, nos podemos sentir reconocidos y sin saberlo hay algo que nos atrae sin saber la razón, o por el otro lado nos incomoda y nos produce rechazo, pero no nos deja indiferentes, de una u otra manera provoca una reacción en nosotros.

Si nos gusta ir al cine, al teatro, a una exposición o a un concierto en nuestro tiempo de ocio es porque nos llena de emociones; nos produce risa, éxtasis, enfado, dolor, unión, sorpresa, diversión, euforia, ¿entonces porque nos empeñamos en menospreciarlas?

¿Porque un artista es juzgado como alguien sin futuro, un muerto de hambre? ¿porque no se les paga dignamente por la función que cumplen en la sociedad?

La realidad es que el artista tiene dos opciones, volverse famoso y cotizar a unos niveles que personalmente tampoco me parecen comprensibles, o luchar por sobrevivir, normalmente realizando cualquier otro trabajo para pagar las facturas y comer, y de esta manera, poder desarrollar aquel talento, esa pasión que es la que le hace levantarse cada mañana de un salto para expresar al mundo lo que siente, sus emociones más profundas, rascando en su interior para transmitir a los demás un pedacito de si mismo con una sensibilidad especial.

Valoremos el arte en todas sus expresiones!

NO enseñemos a nuestros hijos que las asignaturas de expresión artística son “unas marías”.

Apoyemos la cultura!

El futuro del diseño gráfico

El futuro del diseño grafico

El diseño gráfico es una de esas profesiones “nuevas” nacidas con la era de la informática que sigue evolucionando tan rápidamente como el mundo tecnológico.

Es una profesión reciente, ya que tan solo hace unas décadas no existía como tal, y por tanto para muchas personas es un término que aunque les suena familiar, desconocen las implicaciones y por tanto, no pueden valorar el esfuerzo que hay detrás de una página web o la creación de una identidad corporativa.

El campo del diseño gráfico se ha devaluado en los últimos tiempos, es uno de los sectores que ha sufrido más recortes, sin embargo, para cualquier empresa es imprescindible contar con nuestro trabajo, tanto para el mundo digital como offline. Hoy más que nunca, la imagen es primordial y la presencia online imprescindible para no caer en el vacío informático.

Diseño gráfico en las empresas

El diseño gráfico es clave en nuestra sociedad, y va de la mano en su transformación, por lo que no podemos quedarnos atrás y por tanto, debemos evolucionar a la misma velocidad vertiginosa. Como diseñadores debemos renovarnos continuamente para estar actualizados con las nuevas tendencias y desarrollos del sector.

El inmovilismo como diseñadores gráficos puede ser letal, una muerte asegurada en el sector laboral si no estamos atentos a lo que viene sucediendo en nuestro alrededor. Como diseñadores debemos adaptarnos constantemente a nuevos formatos, tendencias y medios, es decir tener un perfil multidisciplinar.

Hace tan solo unas décadas se diseñaba sin ordenadores, ahora el papel parece obsoleto, no podemos ni siquiera intuir que futuro nos depara en esta profesión, que nuevos soportes se originarán, pero si podemos afirmar que seguirá presente pero que requiere observación y estudio constante. Un diseñador gráfico que se precie, debe estar dispuesto a cambiar tantas veces sea necesario y afrontar nuevos retos para moldearse a las necesidades de las empresas. “Un diseñador nunca deja de ser un alumno”.

Esta profesión es vocacional 100%, es la pasión la que nos mueve a querer seguir formándonos y avanzar con los tiempos para no estancarnos como el agua muerta.

Hay futuro, somos el futuro!

Re-inventar el arte en tiempos de crisis

El arte hoy en día, sumergidos como estamos en una de las mayores crisis de la historia, desempeña un papel de desintoxicación, ya que el arte no se basa solo en la especulación de los mercados, sino en la expresión humana en su máxima potencia.

La profunda crisis económica/financiera, laboral y social en la que nos situamos es preocupante, pero no solo por la situación de desempleo, falta de solvencia económica o la caída de una sociedad de bienestar, sino también por la crisis espiritual que ha traído consigo de manera global. La crisis actual ha bloqueado la mente y el ánimo de la sociedad, en la que solo la economía lo ocupa todo.

Esta crisis es la consecuencia de una pérdida de valores profundos, donde la sociedad de consumo se ha impuesto y la codicia desmedida de unos pocos nos ha hecho toparnos con un muro de frialdad, donde el dinero y el lujo es la única base fundamental en la búsqueda de la felicidad, dejando de lado valores importantes inherentes al ser humano. Hoy en día, la ética y la moral en desaparición permiten que aflore la vanidad como sentimiento prioritario.

Hemos presenciando el surgimiento de una nueva sociedad, donde lo espiritual se ha ido desvaneciendo. Sin embargo, poco a poco resurge el sentimiento humano para instalarse de nuevo. El arte se convierte en salvaguarda y el artista en una especie de gurú que conecta varios espacios para alcanzar la perfección y la armonía.

Os lanzo la siguiente pregunta ¿Creéis que el artista debe reflejar en su obra la situación actual?

Por otra parte, es precisamente en tiempos de crisis donde el arte se convierte en “moneda” de cambio para especular con las grandes obras de arte. De esta manera, las obras maestras y artículos de prestigiosas procedencias no sienten la crisis, sino muy al contrario, las grandes fortunas y coleccionistas los solicitan. En cambio, los objetos de valor medio, los cuadros interesantes pero menos prestigiosos sí se ven afectados por la crisis.

Para un artista aun no consagrado, como es mi caso, me veo obligada a ajustar precios constantemente para poder acercarme al mercado potencial y vender mi obra. El concepto, re-inventarse es obligado, y de ahí el nacimiento de las “adaptaciones” de mis cuadros a otros formatos para llegar a más gente,

Por lo tanto, es claro, que la crisis afecta de manera distinta dependiendo de la procedencia y reconocimiento de la obra. Y por otra parte, debemos ser conscientes que el arte debe ser el puente que une lo material con lo energético para conectar con nuestro yo más profundo, dejando de lado la vanidad hacia una nueva reaparición de valores fundamentales.

Saberse vender es un arte en si mismo

El arte de saber venderse

Existen una infinidad de pintores y diseñadores en el planeta, pero ¿qué es lo que hace que unos obtengan gran reconocimiento y otros se queden en las puertas? La respuesta en mi opinión, es la habilidad desarrollada para venderse ante el público objetivo, y no solo que sean mejores o peores los unos con respecto a los otros.

En numerosos casos aquel que se sabe vender mejor no tiene porque ser uno de los mejores dentro de su sector, pero sí ser extrovertido, tener altas dosis de confianza,y saber darse a conocer a la gente.

Cuando estudiaba Bellas Artes me di cuenta enseguida de esto. Muchos de mis compañeros eran brillantes pero tímidos o modestos y sus obras no destacaban a no ser que uno los buscará intencionadamente, mientras que otros no tan buenos, eran capaces de hacerte ver algo en sus creaciones que sin sus palabras carecían de interés.

Esta habilidad se puede extrapolar a todos los ámbitos de nuestra vida cotidiana, ya que podemos decir que nosotros mismos somos el producto en venta, ya sea cuando vamos a una entrevista, cuando tratamos de conquistar a la persona amada o impresionar a nuestros jefes. Utilizamos todos nuestro carisma y mejor cara para presentarnos como el idóneo “candidato/objeto de compra”.

Por esta razón, considero que “saberse vender” es un arte en si mismo, algo que debería enseñarse en las escuelas, ya que sería práctico en todos los aspectos de nuestras vidas, y en efecto, para los que nos dedicamos al mundo del arte, una oportunidad más de saber acercarnos a nuestros clientes y utilizar las palabras más certeras para llamar la atención y dirigir las miradas atentas hacia nuestra obra.

En resumen, yo creo que muchos grandes artistas (cantantes, escultores, pintores, etc.) se quedarán en las sombras a pesar de su inmenso talento, por no ser  buenos “comerciales” de su arte. Su obra se hará invisible ante un mundo cada vez más competitivo, si no se aplican en el arte de la venta.

¿Que opináis de lo expuesto?, ¿creéis que es más importante el talento en si mismo o el arte de saberse vender?

La pasión por el arte

Pasión por el arte

La pintura y el diseño gráfico, son dos constantes en mi vida que desarrollo con pasión, sin ellas me siento que como si me faltara un “miembro”. Las artes me ayudan a crecer y caminar hacia adelante sin dejar de luchar cada día por mejorar y ofrecer mi visión del mundo a los demás.

Ya dicen que “la pasión mueve el mundo”, lo cual puede ser llevado a todos los planos de la vida. Como persona apasionada que soy, lo vivo todo con intensidad y cada día me levanto con el ánimo de hacer reír, emocionar y sentir con plenitud.

Gracias a la pasión de hacer lo que me gusta, me permite disfrutar del camino hasta alcanzar las metas que me haya propuesto. La pintura y el diseño me llenan de energía incluso cuando estoy agotada físicamente. La sensación es como si a uno le enchufasen a un alimentador de corriente, mientras estás conectado, recibes más energía de la que gastas porque estás en esa zona “Elemento”, la cual se convierte en una energía mental, que sube y baja dependiendo de esa pasión.

Los sueños parecen al principio imposibles, luego improbables y luego cuando nos comprometemos se vuelven inevitablesM. Gandhi

La pasión surge de la visión clara de un objetivo a cumplir. En mi caso, sigo desde hace años “enamorada” de las artes, incluso cuando el miedo se apodera de mi, no me permito que la vocecilla interior se quede mucho tiempo diciéndome que no podré lograrlo, porque creo que la vida sin sueños no es divertida, y por ende, para mí las artes son mi fuente de inspiración y diversión constante.

A través del arte soy capaz de expresar mis sentimientos más profundos, pero como todo diálogo a unos les llegará más que a otros el mensaje y la intención del mismo. Sin embargo, creo que la pasión es palpable para todos.

Como artista, mi legado al mundo será mostrar el alma a través de la pasión por las artes, y de esta manera ofrecer la esencia de la belleza en si misma. Es una responsabilidad y un deleite al mismo tiempo.

Déjate a “Pasionarte” y si así lo quieres puedes visitar mi página web: www.art-belensambucety.com