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Encuentra tu motivación en el arte

Todos necesitamos la motivación necesaria para llevar a cabo cualquier actividad incluso cuando estamos hablando de nuestra pasión, puesto que el cansancio, el rechazo o la frustración puede mermar nuestras ganas. En el caso específico del arte, de seguir luchando por hacer llegar nuestra obra a los demás.

Para todos los que pintamos, el pintar es una placer en sí, además de una bonita manera de expresarnos con el mundo. A pesar, de que sin duda en mi caso, el arte es mi pasión, puedo confesar que hay periodos de mi vida, en los que quiero tirar la toalla y abandonar en mi empeño por dar a conocer mi arte y por que no vivir de ello. Pintar es muy placentero, pero si va acompañado del reconocimiento el estado de felicidad se incrementa claramente

La manera en la que el mercado del arte está constituida, provoca que solo unos pocos privilegiados pueda afirmar que viven del arte, el sistema es tan competitivo que la gran mayoría de los que nos dedicamos con ahínco somos relegados a un segundo plano, al plano invisible. Las galerías e inversores se centran en los “elegidos” para realizar sus negocios, lo que origina que muchos artistas vean imposible poder vender su obra y hacer de esta maravillosa afición una profesión.

La consecuencia es que pintar se vuelve poco relevante, y es entonces, cuando la necesidad de hallar la motivación en el arte y no dejar los pinceles sea mayor. Amar el arte imposibilita dejarlo de forma definitiva, pero si que llegan periodos de flaqueza, por lo que hay que hallar cómo motivarnos para no rendirnos y seguir haciendo lo que más nos gusta, plasmando nuestro mundo interior con colores y formas, dejando un legado para generaciones futuras.

Encontrar la motivación en el arte

Debemos primero que todo distinguir entre lo queremos hacer y lo que nos apetece hacer. De ahí, la necesidad de encontrar la inspiración.

Marcarse objetivos para fomentar la motivación en el arte

La motivación en el arte es lo que nos hace movernos y esta puede cambiar según el día o el estado de ánimo, y precisamente por esta razón es fundamental el uso de técnicas para reforzarla. Una forma de hacerlo es comprometernos con unos objetivos determinados a cumplir, teniéndolos siempre presente para no decaer y dejarlos en el olvido. Con un propósito conciso, nuestra determinación se agudizará para conseguirlo con éxito.

Para poder navegar con un rumbo determinado, debemos dar las coordenadas precisas a nuestro velero para evitar dar vueltas sin una dirección. La ausencia de un objetivo al que llegar nos hacer perder la emoción.

“La posibilidad de realizar un sueño es lo que hace que la vida sea interesante” Paulo Coelho

Cada vez que avances hacia tu objetivo consiguiendo ciertos logros, debes permitirte celebrarlo o darte un capricho por haber alcanzado una de las metas. Nuestro ánimo se vera reforzado para seguir dando pasos para cumplir nuevas etapas que nos acerquen a la meta final. Por esta razón, es importante dividir las metas en pequeños objetivos y seguir avanzando con pase firme y decidido al ver que lo vamos consiguiendo.

Otra forma de inspirarte, es ver las obras de otros artista, reconocer su talento y a partir de la admiración encontrar la motivación. Aprender observando las técnicas y temáticas de otros es una bonita forma de adquirir formación artística.

“La motivación nos impulsa a comenzar y el hábito nos permite continuar” Jim Ryum

Además de lo mencionado anteriormente, la confianza en uno mismo es un factor clave para conseguir nuestros propósitos. Por esa razón, es vital fortalecer nuestra propia autoestima a pesar de todos los avatares de la vida y seguir pintando con entusiasmo.

El pensamiento positivo debe ser nuestro antídoto diario para continuar inspirados. Investigaciones recientes han demostrado que nuestros propios pensamientos tienen repercusión en las células de nuestro cuerpo, alterando hasta nuestra salud, lo que hoy en día se conoce como neuromarketing. Por ende, cambiar nuestras ideas limitantes hacia “el yo puedo” nos va a permitir movernos hacia delante con emoción.

Las propias expectativas que tengamos sobre nuestros resultados van a condicionarnos, si pensamos que vamos a conseguir el propósito que nos hayamos planteado, tendremos infinitas más posibilidades de conseguirlo.

“Tanto si crees que puedes como si crees que no puedes, tienes razón”, dijo Henry Ford

Nuestra motivación es la fuerza interior que nos empuja a seguir trabajando, y nuestro cerebro se puede entrenar para conseguir el mejor rendimiento, en definitiva, la mejor versión de nosotros mismos plasmada en un lienzo. Todo ello basado en el afán de superación, disciplina, sacrificio y constancia.

Cuando no te puede ayudar nadie, sólo te puedes ayudar a ti mismo”.

Como en un partido de tenis, nos debemos auto-convencer con gran fortaleza mental de que vamos a vencer a nuestro “rival”. Las posibilidades de triunfar en la vida se residen en el interior de cada persona. Así que, ponte manos a la obra ahora que sabes que puedes hacerlo, márcate unos objetivos claros y pasa la acción hoy mismo, no lo dejes para mañana. Visualiza la meta en tu cabeza, diseña un plan para lograrlo dividido en etapas, celebra cada pequeño triunfo y persiste en el camino. El éxito te está esperando.

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Mujeres artistas en el panorama artístico

Mujeres artistas, su papel siempre se ha visto relegado a un segundo plano, y en el arte ha pasado lo mismo. Por esa razón, yo como mujer artista, quiero reivindicar la relevancia de muchas mujeres en la historia y para ello, dedicarles un homenaje en este caso a diez figuras importantes en la historia del arte. Estas mujeres han tenido que luchar mucho más que sus coetáneos masculinos para tener el reconocimiento que se merecen.

Por desgracia, a pesar de los avances feministas, las mujeres artistas siguen teniendo un papel mínimo en el panorama artístico, y las trabas para llegar a museos y galerías importantes siguen siendo muchas, por lo que el esfuerzo que debemos hacer para tener una representación es mayor que la de los artistas masculinos. Eso, sin mencionar que según las estadísticas los trabajos de artistas femeninas más cotizadas en el mercado aun tienen un valor diez veces más pequeño que la de artistas varones.

Los libros de historia están repletos de nombres de hombres, y apenas unos pocos de mujeres. En ocasiones, las mujeres artistas usan pseudónimos o solo las iniciales para que se desconozca su sexo y poder optar a un mayor reconocimiento, o evitar simplemente no ser tomadas en serio exclusivamente por su condición sexual. 

Sé que muchos podréis estar pensando que estoy exagerando, porque en general, no somos conscientes o preferimos seguir con la venda en los ojos, pero desafortunadamente para las mujeres la lucha por ocupar los espacios es a mayor escala que la de los hombres en todas la esferas de la vida.

Si buscáis ejemplos, también os los puedo dar, Lee Krasner, maestra del expresionismo abstracto en EEUU firmó con L.K. la mayor parte de su trayectoria pictórica, motivada a hacerlo después que su mentor, Hans Hoffman, le llegará decir de sus obras que eran tan buenas que era difícil imaginar que una mujer lo podría haber pintado. 

Para hacer visible esta realidad, un grupo de mujeres artistas “Guerrillas Girl” manteniendo el anonimato, han sido capaces de llevar este discurso hasta los museos y denunciar el sexismo. Este colectivo es ya más que conocido, y no dejan de sorprender con sus actos como el más famoso empapelamiento de New York de los carteles “¿Tienen que desnudarse las mujeres para entrar en los museos?”, ya que como ya mencioné en otro artículo, el cuerpo de mujer, especialmente en desnudos está en gran porcentaje de cuadros, mientras un pequeño porcentaje de artistas femeninas es capaz de ocupar las paredes de los museos. ¿No es momento de reflexionar por qué ha pasado y sigue pasando actualmente? ¿es realmente fruto de la casualidad? ¿de verdad pensáis que simplemente hay muchos más hombres artistas mejores que las mujeres?  Es momento para este debate social.

La desigualdad patente aun hoy en día, sin duda, sería aun mayor en el pasado, mujeres que no solo eran reconocidas si no a las que les estaba vetado poder realizar oficios como los dedicados a las artes.

Diez mujeres artistas que han pasado a la historia

Hoy quiero mencionar a algunas de esas mujeres artistas que han pasado a la historia no sin esfuerzo, y que por lo tanto, merecen todo mi respeto y quiero hacerles un hueco en mi modesto blog. Diez mujeres, artistas como la copa de un pino, que gracias a su personalidad fuerte, han sabido pronunciarse y ocupar un lugar importante en el panorama artístico:

  1. Frida Kahlo, pintora surrealista mexicana, aunque en vida estuvo a la sombra de su marido, Diego Rivera, se hizo famosa en los años 70 por sus cuadros biográficos que hablan del sufrimiento y del dolor. Esta mujer es actualmente un icono del femenismo.
  2. Yayoi Kusama, artista arte pop japonesa, consiguió ser la más cotizada internacionalmente con sus instalaciones y esculturas, donde aparecen menciones al feminismo o el arte marginal con una obra muy autobiográfica.
  3. Camille Claudel, escultora impresionista francesa, durante muchos años amante y musa del famoso escultor A. Rodin. Sus obras están inspiradas en este hecho de ser la otra, lo que al final de sus días le lleva a ser ingresada en un centro psiquiátrico. Sin embargo, durante años gozó de gran fama y popularidad llegando a la prensa, salas con numerosas ventas.
  4. Tamara Lempicka, pintora art decó rusa, consiguió sobresalir como una de las mejores retratistas del art decó en Francia, donde la mujer, erotismo y lujo son los elementos centrales en su obra convertida en moda.
  5.  Beatrix Potter, escritora e ilustradora británica, fue su tío quién tuvo que presentar sus primeros estudios en ilustración de la naturaleza, puesto que las mujeres no podían publicar. Le llega la fama con los cuentos ilustrados.
  6. Mary Cassatt, grabadora y pintora impresionista estadounidense, con la influencia de su mentor Degas, es sobre todo conocida, por las series de madres y niños.
  7. Georgie O´Keeffe, pintora modernista estadounidense, con un estilo muy personal consigue gran éxito comercial. Con sus series de abstracciones de flores a gran tamaño expresa sus emociones y alcanza la fama mundial.
  8. Leonora Carrington, pintora surrealista, escultora y grabadora británica – mexicana, influenciada por M. Ernest, se codea con artistas reconocidos de la época, como Frida Kahlo. Sueño y realidad se entrelaza en su obra.
  9. Artemisa Gentileschi, pintora del barroco italiana, aprende el oficio en el taller de su padre. Su pintura del claroscuro es valorada en su época, siendo la primera mujer que accede a la Accademia del Disegno de Florencia
  10. Louise Bourgeois, escultora contemporánea francesa-norteamericana, reconocida especialmente por su homenaje a su madre tejedora con la escultura de araña, es una de las obras femeninas más valoradas.

Aun queda mucho camino por recorrer, pero al menos me parecía necesario hacer esta mención de las mujeres en el arte.

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La pintura al óleo y los pinceles

La pintura al óleo requiere uso de pinceles, pero no imprescindible su uso para comenzar con la pintura al óleo, en realidad se puede obviar el uso de este material ya que, en su lugar, podremos usar espátulas, palillos o incluso mezclarlos con nuestros propios dedos.

Si bien, para comenzar con la pintura al óleo, y dado que su precio no es excesivamente alto, yo recomiendo la adquisición de pinceles para tu comodidad y mejorar la destreza poco a poco.

Formas y tipos de Pinceles para la pintura al óleo

Los pinceles que se usan pueden ser redondos, ovales o cuadrados. También podemos distinguir los usados con pelo de animal (como ardilla o cerda) o los de pelo sintético. Si bien recomiendo usar los primeros por su comodidad y flexibilidad

De todos ellos, los más económicos y que se pueden usar para iniciarse en la pintura al óleo son los de pelo de cerda. Los de pelo sintético son aún más baratos, si bien, por la escasa diferencia de precio, es preferible los pinceles de pelo animal.

Tamaño de Pinceles para la pintura al óleo

Según la obra de arte que queramos pintar y su nivel de detalle, elegiremos unos pinceles más o menos finos. Por lo tanto, si queremos dar un aire más expresionista a nuestro cuadro, nos vendrá mejor pinceles gruesos. Si vamos a intentar algo muy detallista, los más finos serán nuestra opción ideal.

Para comenzar, quizás solamente se necesitan cuatro tamaños diferentes, con ellos prácticamente se puede empezar a pintar de forma amateur e ir evolucionando poco a poco. Por eso aconsejo adquirir al principio los tamaños 4, 8, 12 y 16.

Cuidado de pinceles

El óleo es de secado lento, por lo tanto, si estamos pintando con asiduidad no se debe estar constantemente limpiando los pinceles. Si bien es recomendado para prolongar su durabilidad la limpieza diaria de los pinceles de la pintura al óleo.

Una vez adquiridos los pinceles necesarios, se puede complementar el material con una pequeña espátula, la cual nos será muy útil para mezclar colores de la pintura al óleo.

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Obras de arte con color al óleo

Obras de arte creadas con la técnica al óleo ofrecen enormes posibilidades cromáticas debido a su gran riqueza de matices y luminosidad. Para dominar este medio hace falta conocer en profundidad la teoría del color y las gamas cromáticas. Es, así mismo, un medio versátil que permite trabajar con colores muy opacos o con tonos casi transparentes, en función de la cantidad de aceite de linaza y esencia de trementina que se le añada a la obra de arte.

Para pintar obras de arte al óleo se realizan mezclas constantemente, modificando y ajustando el color en cada momento. En este artículo vamos a analizar los distintos aclarados y oscurecimientos de la pintura al óleo y sus mezclas de color para pintar la obra de arte. Así mismo, se analizará la teoría del color y se mostrarán las ganas cromáticas, cuestiones comunes a todos los procedimientos pictóricos, pero que con el óleo se pueden entender y practicar con comodidad, dado que se trata de un medio muy manejable y de secado lento.

Colores al óleo densos y opacos en obras de arte

Los colores al óleo son densos, con lo que la pasta que forma el color es lo suficientemente untuosa como para crear grandes gruesos de pintura en el lienzo. Al tener un secado lento, se puede retomar una sesión de trabajo al cabo de un cierto tiempo sin que el color se haya secado por completo.

El secado se produce gradualmente, desde la capa exterior del óleo hasta las interiores. Para que este secado se produzca correctamente debe cumplirse la norma general de trabajar graso sobre magro en la realización de las obras de arte, es decir, las primeras capas de color deben presentar más aguarrás, mientras que las últimas serán más espesas.

Se trata de un medio que se presenta opaco al salir del tubo, pero que se va aclarando al añadirle un disolvente; aceite de linaza y esencia de trementina.

Algunos pintores utilizan en sus obras de arte una aceitera simple para la solución y un bote con esencia de trementina para limpiar los pinceles.

Selección de los colores para las obras de arte

Para mezclar los colores con óleo es necesario previamente decidir qué colores se van a intervenir en la paleta y su cantidad. La gama armónica de las obras de arte dependen del motivo que se a pintar.

Si el objetivo es pintar un paisaje, sin duda, la selección de verdes en la paleta será superior a cualquier otra gama de colores; lo mismo sucede con la selección de azules, si la intención del pintor es pintar una marina.

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Fases de mis cuadros

gato-frances fases mis cuadros

Pintar es para mi más que una afición, es mi pasión que me acompaña desde que era muy joven y a la que no puedo abandonar. Hay periodos de mi vida a los que le dedico más atención que otros, pero la pintura es mi más fiel compañero de viaje y espero que siga a mi lado por muchos más años.

Para decidir empezar a pintar un cuadro, necesito encontrar algo que me inspire, y en muchas ocasiones, encuentro esa inspiración en fotografías tomadas por mí, especialmente viajando que es cuando uno se relaja y ve todo con otros ojos.

Las fotografías en las que me apoyo para poder pintar el cuadro, son en blanco y negro, puesto que no quiero que los colores captados por la lente fotográfica me influyan y coartan mi libertad creativa. Prefiero dar rienda suelta a la imaginación en cuanto al color que puedo aplicar con pinceladas al lienzo, y si quiero poner un morado en una hoja de un árbol, me siento más cómoda si mi ojo no ve los colores de la fotografía. Realmente el color morado puede estar ahí, ya que ya sabemos, que los colores son influidos por los elementos que rodean al objeto y cómo la luz influye sobre ellos.

Si observamos el movimiento impresionista, nos damos cuenta que la luz es el protagonista, la luz descompone los colores en millones de colores que se influyen unos a otros para crear la composición final. Para mí la pintura impresionista siempre me ha fascinado, y creo que su influencia se puede palpar en mis cuadros.

Las fases pictóricas para realizar un cuadro

Una vez que tengo una foto en blanco y negro que me servirá de inspiración, comienzo el boceto con la técnica de carboncillo directamente sobre el lienzo. De esta manera encajo el dibujo a grandes rasgos, lo que me ayudará a continuación a dar las primeras pinceladas de color.

Con la figura o la escena encajada ya a carboncillo, paso un trapo por el lienzo para quitar las virutas de polvo que deja el carboncillo para que no se manchen los pinceles y los colores, dejando un dibujo muy suave que me permite ver la composición.

Comienzo entonces a pintar con grandes pinceladas las sombras y luces que componen la escena, todo a grandes rasgos y con la mano muy suelta sin tener en cuenta los detalles del cuadro, ya que esta será la fase final.

Cuando he conseguido dar volumen al cuadro con el juego de luces y sombras, paso a una segunda fase de color, donde amplio la gama de colores aplicada y empiezo a delinear un poco más los elementos que componen la escena.

Normalmente, lo hago en varias sesiones, dejando reposar la pintura y observando el cuadro para tomar decisiones sobre cómo continuar el cuadro.

Mientras estoy pintando, doy pinceladas rápidas al principio y en las últimas fases utilizo pinceles más finos para los acabados y detalles. En todas las sesiones, también me paro a ratos para poder ver el resultado y saber donde se necesita un color u otro para conseguir la armonía y una lectura adecuada del cuadro.

Os puedo asegurar que no siempre el resultado del cuadro es el esperado y a veces cuando está mal encaminado toca corregir o incluso tomar la decisión de borrar y volver a empezar.

Por esa razón, cuando un cuadro decido que está acabado y el resultado me parece bueno, la satisfacción es enorme. Partir de un lienzo en blanco sin saber muy bien la hoja de ruta y ver al final el cuadro acabado, es una sensación increíble.

Os dejo un video para que veáis estas fases que he explicado sobre el cuadro “gato francés”. Espero que os guste tanto como a mí haberlo realizado.


Si queréis los podéis compartir en las redes sociales.

Aunque algunos cuadros ya están comprados, hay todavía varios cuadros en venta en la galería de arte de esta página web. Si quieres hacer un regalo, decorar o simplemente echar un vistazo, te invito a darte un paseo por mi galería virtual 😉

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Aprender a pintar, esbozar y borrar el carboncillo

Pintar es algo que requiere el conocimiento de una serie de técnicas. Una de ellas es la de carboncillo, como ya he explicado en anteriores artículos. Esta técnica no presenta una gran adherencia sobre el papel, lo que es una gran ventaja a la hora de crear esbozos que se pueden corregir muy fácilmente y sencillo de borrar.

El carboncillo se puede utilizar como arte final para un dibujo, o para abocetar en un lienzo la escena que se va a pintar.

Cuando se está dibujando, el borrado puede utilizarse como un elemento más del dibujo, creando espacios más claros e incluso blancos en las composiciones. El carboncillo puede borrarse con un dedo, con un trapo o con una goma; depende del efecto que se quiera conseguir. También se puede borrar con el difumino, aunque con este elemento nunca se logrará un blanco perfecto.

Borrar el carboncillo con un trapo para pintar

Para borrar el carboncillo con un trapo, basta con restregar la zona o simplemente sacudirla con el trapo suelto. Pero, al igual que si se borra con los dedos, siempre queda en el papel un resto de color gris. Si no es este el efecto deseado para pintar, debe utilizarse una goma de borrar.

Para eliminar cualquier rastro de carbonilla en el papel, lo mejor es utilizar una goma de borrar. De este modo, no sólo se elimina por completo cualquier trazo hecho con el carboncillo, y corregir y realizar de nuevo el fragmento suprimido, sino que pueden introducirse líneas o espacios totalmente blancos en el dibujo.

Evitar las manchas para pintar

Cada vez que se toca el carboncillo, las manos se ensucian: Esto es muy normal y durante la sesión de dibujo no hay que preocuparse por las suciedad de las manos, ya que estas serán importantes herramientas que servirán para emborronar, difuminar y sacudir el papel.

El dedo manchado de carbón constituirá un medio excelente para conseguir efectos variados o para resolver diferentes aspectos del trabajo, como sombras o degradados. El carboncillo que se impregna en las manos se limpia con una simple sacudida de un trapo o lavándolas con agua para que a la hora de comenzar a pintar no queden rastros indeseados.

Una vez que tengamos hecho el esbozo, pero borrado con un trapo para que no manche los pinceles y la pintura, podemos empezar a pintar el cuadro. En algunas ocasiones, el artista puede decidir dejar zonas del cuadro con el rastro del carboncillo a conciencia, mientras en otras ocasiones, se cubrirá por completo la superficie donde anteriormente se ha dibujado la composición como boceto de la obra de arte.

 

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Dibujar con carboncillo, empezando

Dibujar con carboncillo es fácil de aprender (mira el anterior artículo sobre técnicas del dibujo).

En general, aconsejo a todo el mundo que se deje impresionar por ninguna técnica de dibujo o pintura, que pruebe y se divierta mientras lo hace. El tiempo y la práctica son la clave para evolucionar y tomar las primeras nociones hasta llegar a hacerlo de una manera natural e intuitiva.

Se puede comenzar por dibujar algunos trazos sueltos sobre un papel. A la hora de dibujar es aconsejable comprobar cómo se dibuja con la barra de punta.

El trazo se realiza con una presión media, sin que se rompa la barra. Para dibujar estas líneas, el gesto de la mano se debe acompañar con la muñeca. Estos movimiento son importantes para ejercitar el dominio del brazo.

Dibujar líneas con carboncillo

Aprender a dibujar con carboncillo requiere de práctica, y para ello se debe educar el trazo, realizando una serie de líneas controlando la presión. Ensayando la fuerza y el giro de muñeca, se obtienen resultados diferentes. Aunque al principio, esto puede resultar aburrido, a posteriori permitirá tener una mayor destreza del medio para dibujar con soltura.

Aprender a dibujar con carboncillo, es la mejor base para adquirir confianza con las otras técnicas de dibujo

Se puede practicar realizando diversas líneas sujetando el carboncillo de distintas maneras. Casi todo el mundo ha hecho garabatos alguna vez. Ahora se trata de hacer lo mismo pero con el carboncillo de punta. Al aplicarlo, se pueden hacer trazos dirigiendo el movimiento con la mano y contrayendo los dedos, así se conseguirán diferentes tipos de curva. Si a este juego se le añade el giro de muñeca, se pueden realizar curvas. Por otro lado, trazando líneas rectas perpendiculares se consiguen tramas.

Dibujar arrastrado la barra de carboncillo

El arrastre de la barra de carboncillo sobre el papel permite diferentes recursos de trazo. De la misma manera que se puede trazar con el carboncillo de punta, sujetado plano, se pueden conseguir efectos muy interesantes. El grosor del trazo depende de la anchura del cabo. Conviene tener a mano diferentes cabos de carboncillo, ya que unas veces se necesitará cubrir una superficie amplia, mientras que otras la zona que se tenga que manchar puede ser más pequeña.

Hay que tener en cuenta que el carboncillo no siempre ofrece un trazado uniforme. A medida que se utiliza se va desgastando y el trazo ofrece mayor grosor si se trabaja con la punta. Por otra parte, la barra de carboncillo se adelgaza y se torna quebradiza cuando se trabaja con el carboncillo plano. Para compensar este desgaste es conveniente trazar cada vez con un canto distinto de la barrita.

Al arrastrar la barra de carboncillo sobre el papel resultan dos tipos de trazo: el primero es lineal (describe el recorrido de la mano sobre el papel), y el segundo tiene como función cubrir de color gris una superficie más amplia.

El trazado con el carboncillo plano permite conseguir líneas variadas al girarlo sobre el papel. El recorrido del carboncillo permite hacer ondulaciones suaves sin que se resienta el trazo. Cuando se realiza un giro brusco durante el recorrido del carboncillo, y éste pasa a un trazo longitudinal, el efecto es el de un trazo cambiante. Según la presión que se ejerza se pueden hacer degradados.

Espero que te haya resultado de utilidad estas primeras nociones y posible prácticas para aprender a dibujar con el carboncillo.

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Pintura artística al óleo, graso a magro

Pintura artística como el óleo, tiene una serie de trucos para aprender a pintar y conseguir que las obras de arte se conserven en el tiempo. El principio de la técnica graso sobre magro en la pintura artística al óleo es uno de los conceptos fundamentales a la hora de aprender a pintar con esta técnica y que hay que seguir para reducir el riesgo de un agrietamiento en las obras de arte.

Aprender a la pintura artística del óleo

El concepto graso sobre magro tiene que ver con los diferentes tiempos de secado de los pigmentos del aceite (que puede variar desde dos días a  dos semanas) y asegurarse de que las capas superiores de la pintura se secan más rápidamente que las inferiores.

Graso y Magro en la pintura artística al óleo

En la pintura artística al óleo extraemos la pintura directamente del tubo y la mezclamos con un aceite que hace que se aumente el tiempo que tardará en secarse por completo. El magro es la técnica de secado rápido, es cuando mezclamos la pintura con esencia de trementina (aguarrás) lo que hace que se seque mucho más rápidamente que cuando lo mezclamos con otro tipo de aceite.

Las capas bajas tienden a absorber el aceite de las pinturas de las capas superiores, de esta forma, cada capa superior debe tener una proporción mayor de aceite para nivelar el nivel de secado de ambas capas.

Los tiempos de secado de esta pintura artística suelen variar según la pintura que se use. Así pinturas con un bajo contenido en aceite, como el azul Prusia, azul marino, blanco plomo y blanco titanio se secan más rápido que otras con mayor contenido de aceite.

Consejos para esta técnica de la pintura artística al óleo

Si el cuadro tiene muchas arrugas es porque hemos añadido demasiado aceite, tomemos nota y cuando realicemos un cuadro similar reduzcamos la cantidad del mismo.

-Si la pintura se oscurece un poco (sobre todo las tonalidades amarillas) después de el secado, entonces es que nuestro aceite es de poca calidad. Usemos uno mejor.

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El dibujo, conceptos básicos

El dibujo es el inicio de toda obra de arte, es la base estructural de cualquier proyecto artístico. El primer paso para crear una pintura consiste en esbozar, es decir, crear el dibujo preparatorio para que sirva de guía para la consecución de la obra de arte. Por esta razón, es esencial aprender a dibujar bien. En este artículo, voy a explicar varios puntos importantes para iniciarse en el dibujo

Materiales Básicos en el dibujo

La elección del material en el dibujo es de gran importancia, pues de ello dependen los efecto gráficos que se derivan, que pueden ir desde el dibujo realizado con suaves líneas intensas, gestuales e impulsivas. Por lo tanto, el primer paso para aprender a dibujar es familiarizarse con los materiales básicos del dibujo. A partir de distintas pruebas se descubrirá que cada medio de dibujo ofrece unas características particulares.

El dibujo con lápiz de grafito

El lápiz es el instrumento más extendido para realizar el dibujo. Está compuesto por una mina que mezcla grafito natural con arcilla insertada en un palo de madera. El lápiz se caracteriza por su fácil manejo, ya que es un medio poco quebradizo y muy limpio. La línea puede verse alterada variando la presión ejercida con la punta y la inclinación del lápiz. Con una suave presión y una punta redondeada, la línea resultante se muestra débil, mientras que con mayor presión y con la punta afilada el trazo es intenso. Si lo que se quiere es dar sombras, se debe inclinar el lápiz unos 45 grados.

Los lápices de grafito se clasifican según su dureza; los lápices blandos tienen una mina más gruesa y grasa, y su trazo en el dibujo es muy intenso, pero tiene el inconveniente de que la punta se gasta con mayor facilidad. Estos lápieces están marcados con la letra B acompañados por un número que define el grado de dureza. Por otra parte, los lápices duros son de un gris más pálido, y, debido a su mayor consistencia, mantienen durante más tiempo su punta afilada y el trazo resultante más apagado. En este caso los lápices llevan una H y son ideales para dibujos de gran precisión o en aquellos en los que se desea obtener un resultado muy limpio.

El dibujo a carbón y sus derivados

El carboncillo es un trozo de rama carbonizada que tiene un alto poder de pigmentación. Su trazo es negro aunque poco consistente, ya que es fácil borrarlo, pero es esta peculiaridad lo que lo hace el favorito para los que están empezando y para los artistas a la hora de comezar una obra de arte en un lienzo. El carboncillo facilita el manchado rápido y las correcciones oportunas (esta técnica es la que se pide en las pruebas de acceso de BBAA).

El carboncillo es muy útil para combinar el trabajo lineal con efectos de sombreado que se consigue fundiendo y difuminando los trazos con la yema de los dedos. La facilidad con la que se desprende el pigmento adherido en la superficie del papel permite obtener ricos matices y gradaciones de calidad llegando a parecer pictórica.

Las barras de carbón se fabrican en bastones de un diámetro de entre 1,5 a 5 centímetros. Su longitud oscila entre los 11 y los 15 centímetros. También pueden adquirirse el lápiz y la barra de carbón compuesto o prensado. Esta última se trata de una mina de carbón vegetal pulverizado y mezclado con cola. Su trazo es más intenso y cuesta más de difuminar.

Uso de trapos y difumino en el dibujo

El dibujo con técnicas de frotación, como el carbón, la sanguina o las cretas, requiere el uso de un trapo de algodón para borrar o rectificar. Si se prefiere, se puede adquirir un difumino, un cilindro de papel que se utiliza para difuminar el pigmento sobre el papel. Este utensilio es aconsejable cuando se trabaja en dibujos de pequeño formato. Para los amplios difuminados, se recomienda frotar con la palma de la mano o la yema de los dedos, según el tamaño del dibujo. Para borrar se utilizará una goma maleable, especial para carboncillo.

El dibujo a plumilla

Consiste en una punta metálica que se inserta en el mango de madera. Al sumergir la punta en tinta china retiene una carga que deposita sobre el papel con cada trazo. El dibujo a plumilla es lento, pero es el complemento ideal a las aplicaciones con aguada. Existen diferentes tipos de puntas metálicas que dar lugar a diferentes tamaños de trazo y que pueden intercambiarse e insertarse en el mango según se necesite.

Soportes para el Dibujo

El soporte natural para el dibujo es el papel. Cada medio de dibujo descrito requiere el uso de un papel determinado. Para el lápiz de grafito es recomendable el uso de papeles satinados o de grano fino. El papel para el carbón y las cretas deberían retener mejor el pigmento en polvo del dibujo, por esto se recomiendan los de grano medio o los berjurados. Si se trabaja con aguadas, la elección debe ser la de papeles de acuarela, o en su detrimento, papeles más gruesos y que absorban mejor el agua sin doblegarse. El papel de grano grueso suele reservarse para el dibujo con sombreados enérgicos y pocos detalles.

Espero que todo lo expuesto hasta ahora en este artículo, te anime a comenzar a aprender a dibujar, ensayando con alguno de los materiales descritos para conocer en que medio te sientes más cómodo.

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Arte y las subastas para su venta

El arte  ha ido cambiando a lo largo de la historia con respecto a los cambios sociales, culturales y tecnológicos. Estos cambios han permitido que la obra de arte llegue a todos los rincones del mundo.

Cuando un artista termina su obra, tiene la posibilidad de conservarla para sí mismo, así como para exposiciones que realice, o por otra parte, que pase a terceros por motivos muy diversos; necesidad económica, reconocimiento, falta de espacio, etc. Sin embargo, como pintora y habiendo compartido experiencias con otros artistas, puedo asegurar que en la mayoría de los casos desprenderse de una obra de arte no es fácil porque es una creación propia, realizada con mimo y corazón, y por tanto, la despedida es como arrancarte un “chachito” de su ser.

En la mayoría de los casos, el artista es quien comercializa sus obras de arte, llevando la publicidad, promoción y venta, toda esta auto-gestión supone un esfuerzo y un tiempo que no dedica a la producción artística. Sin embargo, el principal problema es que muchos artistas son buenos en lo suyo pero carecen de capacidad comercial.

Existen otras vías para vender las obras de arte, como galerías, marchantes y casas de subastas. Estos mecanismos tienen sus pros; menos esfuerzo para el artista y mayor dedicación de tiempo a crear, y sus contras; mayor coste económico, resta libertad y autonomía al artista y crea empleo para los intermediarios.

Hoy me gustaría centrarme en las casas de subastas.

Venta de arte en subastas

Hoy en día los inversores son más sofisticados y con mayor conocimiento gracias a la inmensa cantidad de información disponible en internet. Además desde 2010 después de una crisis para el arte muy pronunciada, la venta de arte parece estar remontando a través de otros métodos, como son las subastas online o físicas.

Sin embargo, para el mercado español el panorama es bastante diferente. Madrid y Barcelona son los protagonistas de acogida de las principales casa de subasta. Citemos algunos por si os interesa en algún momento vender o comprar a través de ellas; Subastas Alcalá, Ansorena, Durán, Goya, Sala Retiro o Segre celebran subastas de arte con una periodicidad entre mensual y trimestral en Madrid, y en Barcelona, Balclis, Bonanova, Lamas Bolaño y Setdart.

Sin embargo, nuestras ciudades no son Londres o Nueva York, más bien parece hasta que fueran cosas distintas y tampoco las cifras se acercan ni por asomo.

El boom económico anterior a la crisis dio lugar a ventas elevadas, en las que todo se vendía y a cualquier precio. En la actualidad, la situación ha cambiado, y con ella la demanda y sus intereses. Los coleccionistas y compradores se han vuelto más conservadores y no invierten sin haber sopesado bien los riegos que conlleva. Los precios que se pagaban antes por obras de arte hasta 6.000 euros, hoy en día no se pueda cobrar por más de 800 euros. Es un momento complicado para los artistas y más aun para los emergentes, y aunque nunca ha sido tarea fácil, hoy es más complejo que nunca. En líneas generales, el precio de una obra de arte depende de muchos factores, la cotización del artista, la época, el tamaño de la obra de arte y por último, la temática.

En España, podemos decir que las casas de subastas reciclan la obra que no asumen las galerías de arte. “Ahora hay una desconfianza absoluta, más todavía si no hay un galerista detrás diciéndote que va a subir. Si antes ya era complicado vender la obra de un artista emergente, ahora lo es más”. Marta Cuadros, directora de Subastas Segre.

Además, en nuestro país el IVA es asumido por el comprador y el 4% sobre el remate de obras superiores a 1.200 euros corresponde al vendedor, y como consecuencia está provocando que el sector se vea muy afectado y las ventas bajen drásticamente

En resumen, podemos decir que es un buen momento para comprar y no tanto, para los artistas vender. Así que si estás pensando en adquirir obras de arte, no dejes pasar la oportunidad.

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