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Encuentra tu motivación en el arte

Todos necesitamos la motivación necesaria para llevar a cabo cualquier actividad incluso cuando estamos hablando de nuestra pasión, puesto que el cansancio, el rechazo o la frustración puede mermar nuestras ganas. En el caso específico del arte, de seguir luchando por hacer llegar nuestra obra a los demás.

Para todos los que pintamos, el pintar es una placer en sí, además de una bonita manera de expresarnos con el mundo. A pesar, de que sin duda en mi caso, el arte es mi pasión, puedo confesar que hay periodos de mi vida, en los que quiero tirar la toalla y abandonar en mi empeño por dar a conocer mi arte y por que no vivir de ello. Pintar es muy placentero, pero si va acompañado del reconocimiento el estado de felicidad se incrementa claramente

La manera en la que el mercado del arte está constituida, provoca que solo unos pocos privilegiados pueda afirmar que viven del arte, el sistema es tan competitivo que la gran mayoría de los que nos dedicamos con ahínco somos relegados a un segundo plano, al plano invisible. Las galerías e inversores se centran en los “elegidos” para realizar sus negocios, lo que origina que muchos artistas vean imposible poder vender su obra y hacer de esta maravillosa afición una profesión.

La consecuencia es que pintar se vuelve poco relevante, y es entonces, cuando la necesidad de hallar la motivación en el arte y no dejar los pinceles sea mayor. Amar el arte imposibilita dejarlo de forma definitiva, pero si que llegan periodos de flaqueza, por lo que hay que hallar cómo motivarnos para no rendirnos y seguir haciendo lo que más nos gusta, plasmando nuestro mundo interior con colores y formas, dejando un legado para generaciones futuras.

Encontrar la motivación en el arte

Debemos primero que todo distinguir entre lo queremos hacer y lo que nos apetece hacer. De ahí, la necesidad de encontrar la inspiración.

Marcarse objetivos para fomentar la motivación en el arte

La motivación en el arte es lo que nos hace movernos y esta puede cambiar según el día o el estado de ánimo, y precisamente por esta razón es fundamental el uso de técnicas para reforzarla. Una forma de hacerlo es comprometernos con unos objetivos determinados a cumplir, teniéndolos siempre presente para no decaer y dejarlos en el olvido. Con un propósito conciso, nuestra determinación se agudizará para conseguirlo con éxito.

Para poder navegar con un rumbo determinado, debemos dar las coordenadas precisas a nuestro velero para evitar dar vueltas sin una dirección. La ausencia de un objetivo al que llegar nos hacer perder la emoción.

“La posibilidad de realizar un sueño es lo que hace que la vida sea interesante” Paulo Coelho

Cada vez que avances hacia tu objetivo consiguiendo ciertos logros, debes permitirte celebrarlo o darte un capricho por haber alcanzado una de las metas. Nuestro ánimo se vera reforzado para seguir dando pasos para cumplir nuevas etapas que nos acerquen a la meta final. Por esta razón, es importante dividir las metas en pequeños objetivos y seguir avanzando con pase firme y decidido al ver que lo vamos consiguiendo.

Otra forma de inspirarte, es ver las obras de otros artista, reconocer su talento y a partir de la admiración encontrar la motivación. Aprender observando las técnicas y temáticas de otros es una bonita forma de adquirir formación artística.

“La motivación nos impulsa a comenzar y el hábito nos permite continuar” Jim Ryum

Además de lo mencionado anteriormente, la confianza en uno mismo es un factor clave para conseguir nuestros propósitos. Por esa razón, es vital fortalecer nuestra propia autoestima a pesar de todos los avatares de la vida y seguir pintando con entusiasmo.

El pensamiento positivo debe ser nuestro antídoto diario para continuar inspirados. Investigaciones recientes han demostrado que nuestros propios pensamientos tienen repercusión en las células de nuestro cuerpo, alterando hasta nuestra salud, lo que hoy en día se conoce como neuromarketing. Por ende, cambiar nuestras ideas limitantes hacia “el yo puedo” nos va a permitir movernos hacia delante con emoción.

Las propias expectativas que tengamos sobre nuestros resultados van a condicionarnos, si pensamos que vamos a conseguir el propósito que nos hayamos planteado, tendremos infinitas más posibilidades de conseguirlo.

“Tanto si crees que puedes como si crees que no puedes, tienes razón”, dijo Henry Ford

Nuestra motivación es la fuerza interior que nos empuja a seguir trabajando, y nuestro cerebro se puede entrenar para conseguir el mejor rendimiento, en definitiva, la mejor versión de nosotros mismos plasmada en un lienzo. Todo ello basado en el afán de superación, disciplina, sacrificio y constancia.

Cuando no te puede ayudar nadie, sólo te puedes ayudar a ti mismo”.

Como en un partido de tenis, nos debemos auto-convencer con gran fortaleza mental de que vamos a vencer a nuestro “rival”. Las posibilidades de triunfar en la vida se residen en el interior de cada persona. Así que, ponte manos a la obra ahora que sabes que puedes hacerlo, márcate unos objetivos claros y pasa la acción hoy mismo, no lo dejes para mañana. Visualiza la meta en tu cabeza, diseña un plan para lograrlo dividido en etapas, celebra cada pequeño triunfo y persiste en el camino. El éxito te está esperando.

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Mujeres artistas en el panorama artístico

Mujeres artistas, su papel siempre se ha visto relegado a un segundo plano, y en el arte ha pasado lo mismo. Por esa razón, yo como mujer artista, quiero reivindicar la relevancia de muchas mujeres en la historia y para ello, dedicarles un homenaje en este caso a diez figuras importantes en la historia del arte. Estas mujeres han tenido que luchar mucho más que sus coetáneos masculinos para tener el reconocimiento que se merecen.

Por desgracia, a pesar de los avances feministas, las mujeres artistas siguen teniendo un papel mínimo en el panorama artístico, y las trabas para llegar a museos y galerías importantes siguen siendo muchas, por lo que el esfuerzo que debemos hacer para tener una representación es mayor que la de los artistas masculinos. Eso, sin mencionar que según las estadísticas los trabajos de artistas femeninas más cotizadas en el mercado aun tienen un valor diez veces más pequeño que la de artistas varones.

Los libros de historia están repletos de nombres de hombres, y apenas unos pocos de mujeres. En ocasiones, las mujeres artistas usan pseudónimos o solo las iniciales para que se desconozca su sexo y poder optar a un mayor reconocimiento, o evitar simplemente no ser tomadas en serio exclusivamente por su condición sexual. 

Sé que muchos podréis estar pensando que estoy exagerando, porque en general, no somos conscientes o preferimos seguir con la venda en los ojos, pero desafortunadamente para las mujeres la lucha por ocupar los espacios es a mayor escala que la de los hombres en todas la esferas de la vida.

Si buscáis ejemplos, también os los puedo dar, Lee Krasner, maestra del expresionismo abstracto en EEUU firmó con L.K. la mayor parte de su trayectoria pictórica, motivada a hacerlo después que su mentor, Hans Hoffman, le llegará decir de sus obras que eran tan buenas que era difícil imaginar que una mujer lo podría haber pintado. 

Para hacer visible esta realidad, un grupo de mujeres artistas “Guerrillas Girl” manteniendo el anonimato, han sido capaces de llevar este discurso hasta los museos y denunciar el sexismo. Este colectivo es ya más que conocido, y no dejan de sorprender con sus actos como el más famoso empapelamiento de New York de los carteles “¿Tienen que desnudarse las mujeres para entrar en los museos?”, ya que como ya mencioné en otro artículo, el cuerpo de mujer, especialmente en desnudos está en gran porcentaje de cuadros, mientras un pequeño porcentaje de artistas femeninas es capaz de ocupar las paredes de los museos. ¿No es momento de reflexionar por qué ha pasado y sigue pasando actualmente? ¿es realmente fruto de la casualidad? ¿de verdad pensáis que simplemente hay muchos más hombres artistas mejores que las mujeres?  Es momento para este debate social.

La desigualdad patente aun hoy en día, sin duda, sería aun mayor en el pasado, mujeres que no solo eran reconocidas si no a las que les estaba vetado poder realizar oficios como los dedicados a las artes.

Diez mujeres artistas que han pasado a la historia

Hoy quiero mencionar a algunas de esas mujeres artistas que han pasado a la historia no sin esfuerzo, y que por lo tanto, merecen todo mi respeto y quiero hacerles un hueco en mi modesto blog. Diez mujeres, artistas como la copa de un pino, que gracias a su personalidad fuerte, han sabido pronunciarse y ocupar un lugar importante en el panorama artístico:

  1. Frida Kahlo, pintora surrealista mexicana, aunque en vida estuvo a la sombra de su marido, Diego Rivera, se hizo famosa en los años 70 por sus cuadros biográficos que hablan del sufrimiento y del dolor. Esta mujer es actualmente un icono del femenismo.
  2. Yayoi Kusama, artista arte pop japonesa, consiguió ser la más cotizada internacionalmente con sus instalaciones y esculturas, donde aparecen menciones al feminismo o el arte marginal con una obra muy autobiográfica.
  3. Camille Claudel, escultora impresionista francesa, durante muchos años amante y musa del famoso escultor A. Rodin. Sus obras están inspiradas en este hecho de ser la otra, lo que al final de sus días le lleva a ser ingresada en un centro psiquiátrico. Sin embargo, durante años gozó de gran fama y popularidad llegando a la prensa, salas con numerosas ventas.
  4. Tamara Lempicka, pintora art decó rusa, consiguió sobresalir como una de las mejores retratistas del art decó en Francia, donde la mujer, erotismo y lujo son los elementos centrales en su obra convertida en moda.
  5.  Beatrix Potter, escritora e ilustradora británica, fue su tío quién tuvo que presentar sus primeros estudios en ilustración de la naturaleza, puesto que las mujeres no podían publicar. Le llega la fama con los cuentos ilustrados.
  6. Mary Cassatt, grabadora y pintora impresionista estadounidense, con la influencia de su mentor Degas, es sobre todo conocida, por las series de madres y niños.
  7. Georgie O´Keeffe, pintora modernista estadounidense, con un estilo muy personal consigue gran éxito comercial. Con sus series de abstracciones de flores a gran tamaño expresa sus emociones y alcanza la fama mundial.
  8. Leonora Carrington, pintora surrealista, escultora y grabadora británica – mexicana, influenciada por M. Ernest, se codea con artistas reconocidos de la época, como Frida Kahlo. Sueño y realidad se entrelaza en su obra.
  9. Artemisa Gentileschi, pintora del barroco italiana, aprende el oficio en el taller de su padre. Su pintura del claroscuro es valorada en su época, siendo la primera mujer que accede a la Accademia del Disegno de Florencia
  10. Louise Bourgeois, escultora contemporánea francesa-norteamericana, reconocida especialmente por su homenaje a su madre tejedora con la escultura de araña, es una de las obras femeninas más valoradas.

Aun queda mucho camino por recorrer, pero al menos me parecía necesario hacer esta mención de las mujeres en el arte.

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Páginas web que funcionen, cómo posicionarlas

Páginas web existen millones en internet, sin embargo, solo unas pocas consiguen tener la importancia suficiente para aparecer en los primeros puestos de los buscadores, lo que les permite ser los más fuertes frente a sus competidores y ganar más popularidad y clientela. Los buscadores más conocidos, entre ellos Google, utilizan una paridad de factores para que se produzca el posicionamiento natural dentro de todas sus bases de datos. Podemos afirmar hoy en día, que tanto la relevancia como la autoridad de las páginas web es lo que más importancia se da a la hora de conseguir un buen posicionamiento.

Los dos principios claves para conseguir posicionar una página web son la relevancia y la autoridad.

Pasemos a desglosar estos dos términos para poder comprender mejor en qué consisten y cómo podemos luchar para mejorar estos dos factores.

Factores clave para posicionar páginas web

Autoridad de las páginas web:

Este término engloba el número de enlaces dispersos en la red que apuntan a las páginas web que estamos trabajando para posicionar. Debemos tener en cuenta, que no todos los enlaces valen lo mismo, puesto que si la página web que tiene un link a nuestra web tiene ya una nota alta para los buscadores, su valor será mucho más elevado que si lo hace una web con apenas popularidad.

Si eres diseñador gráfico o diseñador web, estarás ya familiarizado con el término Page Rank, si estás empezando en este mundillo, te aconsejo que te empapes cuanto antes de toda esta terminología, ya que los necesitarás a la hora de conseguir el tan deseado posicionamiento de las páginas web. La autoridad es conocida también como Trust Rank y está vinculado al primer término, Page Rank, que es precisamente lo que comentaba anteriormente sobre el valor de los enlaces dependiendo de la reputación de la web que se inserte links apuntando a tu sitio web.

La tarea para conseguir autoridad de las páginas web en los buscadores es ardua, precisamente es por esta razón, que nacen nuevas profesiones relacionadas con marketing online y posicionamiento SEO.

Debemos asegurarnos de no utilizar técnicas que los buscadores penalicen, ya que sino todo nuestro trabajo será en vano. Si te cazan haciendo trampa, tu página no tendrá ninguna opción de posicionarse y se volverá invisible de cara al público. Así que ojo con no seguir las reglas del juego que los buscadores imponen, si buscas atajos, te arriesgas a quedar fuera del juego.

Relevancia de las páginas web:

Los buscadores se basan en arañas para rastrear el contenido que las páginas web publican. Estos robots de búsqueda determinan el valor del contenido publicado buscando entre los términos y palabras clave para posicionar las páginas web.

Dicho esto, se puede concluir que es esencial actualizar el contendido de manera periódica, así como que este contenido debe ser escrito siguiendo una serie de pautas para que las arañas de los buscadores las valoren de la mejor manera.

¿Cómo debemos crear nuestro texto?

El contenido debe ser coherente y que interese al lector, utilizando las palabras claves con las que te quieres posicionar, esta palabras clave deben aparecer con una densidad del 2,5%, en los enlaces, en las descripciones de las imágenes y en las cabeceras.

Llegado a este punto, voy a señalar otro término que es el algoritmo The Hilton Algorithm, el cual usan los buscadores para evaluar los contenidos más relevantes. Es importante añadir, que si cada página web debe especializarse en un contenido determinado, que obviamente estará relacionado con su área, es decir, que tu página web es sobre una bodega de vinos, no te dediques a hablar sobre manuscritos orientales o helados artesanales por poner algunos ejemplos. Para demostrar que eres experto en tu campo, el contenido de tu sitio web debe contener información sobre tu sector y que otros de tu sector quieran poner links en sus páginas web apuntando a la tuya.

En definitiva, para que una página web funcione, no solo debe tener un diseño atractivo, sino que debe cumplir una serie de requisitos para que aparezca entre los primeros puestos de los buscadores, y especialmente los dos conceptos comentados, la autoridad y la relevancia.


Paperblog

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Falsas creencias sobre diseño gráfico

El diseño gráfico forma parte de la mayoría de los elementos cotidianos que nos rodean, ya sea en forma de paquete de cereales o la etiqueta de un vino, una revista o periódico, el poster de la marquesina de la parada de autobús o la taza en la que desayunas. De igual manera, el diseño gráfico hoy más que nunca es vital para que cualquier empresa pueda comunicar efectivamente y destacar por encima de sus competidores. Sin embargo, por alguna razón, el diseño gráfico se ha convertido en una profesión en este país muy devaluada.

Si eres diseñador/a gráfico te habrás encontrado en incontables ocasiones con clientes que quieren “un diseño rápido”, para abaratar costes. Esto ocurre porque a veces no se le da el valor que tiene a la profesión de diseño gráfico, donde se cree que diseñar es una cosas sencilla y que los programas lo hacen todo.

Si todo esto te resulta familiar y lo has vivido de primera mano o te interesa entender un poco más que involucra el diseño gráfico, sigue leyendo sobre ciertos mitos que he ido recopilado sobre el diseño gráfico.

Creencias en diseño gráfico erróneas

  1. Los diseñadores nos dedicamos a hacer “dibujitos”. Creo que no hay diseñador gráfico que no haya escuchado al menos una vez (aunque serán muchas más) esta frase en boca de un cliente, un conocido o colega de trabajo.
    Lo que realmente hacemos los diseñadores gráficos es encontrar soluciones específicas para crear una comunicación visual efectiva. Te puedo asegurar que eso requiere destreza, conocimiento, así como estudiar las tendencias y al público objetivo al que se dirige el diseño gráfico.
  1. Photoshop y la varita mágica. Realmente hay más de uno, y de dos, y de tres… que aun creen que con el programa Photoshop es dar a un botón y que todo el trabajo se hará solo por arte de magia.
    Sin conocimientos técnicos del programa, por una parte, e ideas originales que plasmar por medio del software, el programa por si solo no hace nada.
  1. El trabajo de un diseñador gráfico es coser y cantar, cualquiera podría hacerlo sin gran esfuerzo, ya que es el ordenador el que hace el trabajo y no el diseñador gráfico.
    Sin embargo, la profesión de diseño gráfico es muy exigente, requiere de alta dosis de motivación, energía y pasión por el diseño gráfico, ya que diariamente tenemos días de entrega, entender que quiere el cliente, saber vender las ideas y cobrarlas debidamente, así como buscar clientes que necesiten soluciones gráficas.
  1. Estamos más que nunca en la época de ahorro, y por lo tanto, los clientes piden diseños “económicos”. Esto se traduce, en que no se valora la profesión del diseñador gráfico, porque cuando uno va al dentista no regatea el precio, o al electricista la pide una rebaja por sus servicios.
    Un buen diseño, si es simple mejor, no quiere decir que sea fácil de realizar, sino que la capacidad analítica y creativa es esencial para lograrlo. Para llegar a una idea buena, se requiere un largo periodo de reflexión y varias pruebas para alcanzar la meta. Para ser un buen diseñador gráfico hacen falta ganas y dedicación, muchas horas de trabajo, y como cualquier profesional queremos cobrar por nuestro tiempo y habilidades adquiridas con la experiencia.
  1. Se tiende a pensar que el diseño gráfico lo puede realizar cualquiera, solo hace falta aprender sobre los programas con un poco de tiempo en casa. No cabe duda con esta afirmación que la profesión de diseño gráfico está infravalorada.
    Diseñar no es solo conocer los programa de diseño gráfico del mercado, consiste en emitir mensajes y conceptos de forma clara, los diseñadores gráficos somos comunicadores visuales de ideas y para ello es necesario, dominar el color, la tipografía y simbología, entre otras cosas.

Con este artículo, me gustaría poder hacer entender un poco más la profesión del diseñador gráfico a toda la gente, y por otra, si eres diseñador gráfico, comunicarte que no estás solo y cosas como las mencionadas anteriormente nos ocurren a todos.

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¿Qué es considerado arte hoy en día?

El dinero en el arte

Desde hace años me pregunto porque unos artistas cobran precios desorbitados por sus cuadros, mientras la gran mayoría luchamos por un reconocimiento digno de nuestra obra ¿Quién está detrás de todo esto? ¿El arte se ha vuelto objeto de especulación?

Desde mi punto de vista al arte en todas sus facetas, se le debería dar más valor en nuestras sociedades, puesto que la expresión artística es lo que nos distingue de los animales, lo que nos emociona y nos hace elevarnos a otra dimensión

Sin embargo, se ha vuelto un mercado donde galerías con un nombre, curadores-especialistas y los coleccionistas de arte, los cuales en su gran mayoría no son entendidos sino meros especuladores, hacen “mercadeo” del arte para generar más beneficios a su favor. El arte se ha vuelto pura mercancía, donde no es apreciado su contenido artístico, sino el poder y dinero que otorga a unos pocos.

El mercado especulativo del arte

Los artistas crecen a la sombra del capricho de estas personas que se hacen llamar “entendidos de arte”,  pero que más bien son negociadores e interesados de su propio ego. El “artista” es una marioneta dejada de la mano de galerías e inversores que dictaminan la tendencia artística y su propia personalidad. Es un producto financiero más donde lo esencial no es su lado humanista sino la cantidad de dinero que se puede obtener a través de él, es un negocio de los que solo unos pocos privilegiados le sacan tajada.

Cuando hablamos de grandes sumas de dinero (como es el caso de las cuantías que cobran los futbolistas frente a otros deportistas) por un cuadro, se distorsiona el propio sentido del arte. Esa obra pierde su “alma” para convertirse en un objeto de exhibición dentro de los sectores elitistas. El público dejará de ver la obra como arte sino como una pieza millonaria colgada en la pared.

Si bien es importante la venta de las cuadros, este no debería ser su fin último, sino que debería existir un equilibrio entre creación y comercialización. De la otra manera el arte se pervierte.

Y yo me pregunto ¿cuando los artistas empezaron a permitir que sus obras ya no estuviera en sus manos y que el control lo tomaran otros, que la especulación económica impusiera las tendencias y el futuro del arte?

Por suerte o por desgracia, según para quién, no estoy en ese “mundillo” especulativo, y de momento seguiré disfrutando de esta pasión que tantas alegrías me trae, explorando nuevos medios y técnicas, así como escarbando en mi interior emociones que lleguen a aquel que se pare a observar mis pinturas.

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El arte y la emoción van de la mano

El arte y la emoción van de la mano

Lo que distingue al ser humano de otras especies es la capacidad de transmitir emociones  a los otros y emocionarse. ¿De que manera lo conseguimos? La respuesta es sencilla, a través de la expresión artística; ya sea la danza, la música, la interpretación, la pintura, la fotografía o la escultura.

¿Cuando escuchas una determinada melodía no se te despiertan infinidad de sentimientos? Tal vez te haga viajar en el tiempo con un recuerdo del pasado, una situación que te conduce a la alegría o la pena, quizás cuando la escuchas te llena de energía o se te saltan las lágrimas por una letra que te llega al corazón…

Si miramos un cuadro, estamos viendo el alma del artista, pero también trocitos de uno mismo, nos podemos sentir reconocidos y sin saberlo hay algo que nos atrae sin saber la razón, o por el otro lado nos incomoda y nos produce rechazo, pero no nos deja indiferentes, de una u otra manera provoca una reacción en nosotros.

Si nos gusta ir al cine, al teatro, a una exposición o a un concierto en nuestro tiempo de ocio es porque nos llena de emociones; nos produce risa, éxtasis, enfado, dolor, unión, sorpresa, diversión, euforia, ¿entonces porque nos empeñamos en menospreciarlas?

¿Porque un artista es juzgado como alguien sin futuro, un muerto de hambre? ¿porque no se les paga dignamente por la función que cumplen en la sociedad?

La realidad es que el artista tiene dos opciones, volverse famoso y cotizar a unos niveles que personalmente tampoco me parecen comprensibles, o luchar por sobrevivir, normalmente realizando cualquier otro trabajo para pagar las facturas y comer, y de esta manera, poder desarrollar aquel talento, esa pasión que es la que le hace levantarse cada mañana de un salto para expresar al mundo lo que siente, sus emociones más profundas, rascando en su interior para transmitir a los demás un pedacito de si mismo con una sensibilidad especial.

Valoremos el arte en todas sus expresiones!

NO enseñemos a nuestros hijos que las asignaturas de expresión artística son “unas marías”.

Apoyemos la cultura!

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El futuro del diseño gráfico

El futuro del diseño grafico

El diseño gráfico es una de esas profesiones “nuevas” nacidas con la era de la informática que sigue evolucionando tan rápidamente como el mundo tecnológico.

Es una profesión reciente, ya que tan solo hace unas décadas no existía como tal, y por tanto para muchas personas es un término que aunque les suena familiar, desconocen las implicaciones y por tanto, no pueden valorar el esfuerzo que hay detrás de una página web o la creación de una identidad corporativa.

El campo del diseño gráfico se ha devaluado en los últimos tiempos, es uno de los sectores que ha sufrido más recortes, sin embargo, para cualquier empresa es imprescindible contar con nuestro trabajo, tanto para el mundo digital como offline. Hoy más que nunca, la imagen es primordial y la presencia online imprescindible para no caer en el vacío informático.

Diseño gráfico en las empresas

El diseño gráfico es clave en nuestra sociedad, y va de la mano en su transformación, por lo que no podemos quedarnos atrás y por tanto, debemos evolucionar a la misma velocidad vertiginosa. Como diseñadores debemos renovarnos continuamente para estar actualizados con las nuevas tendencias y desarrollos del sector.

El inmovilismo como diseñadores gráficos puede ser letal, una muerte asegurada en el sector laboral si no estamos atentos a lo que viene sucediendo en nuestro alrededor. Como diseñadores debemos adaptarnos constantemente a nuevos formatos, tendencias y medios, es decir tener un perfil multidisciplinar.

Hace tan solo unas décadas se diseñaba sin ordenadores, ahora el papel parece obsoleto, no podemos ni siquiera intuir que futuro nos depara en esta profesión, que nuevos soportes se originarán, pero si podemos afirmar que seguirá presente pero que requiere observación y estudio constante. Un diseñador gráfico que se precie, debe estar dispuesto a cambiar tantas veces sea necesario y afrontar nuevos retos para moldearse a las necesidades de las empresas. “Un diseñador nunca deja de ser un alumno”.

Esta profesión es vocacional 100%, es la pasión la que nos mueve a querer seguir formándonos y avanzar con los tiempos para no estancarnos como el agua muerta.

Hay futuro, somos el futuro!

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Re-inventar el arte en tiempos de crisis

Adaptaciones de cuadros-reinventarse

El arte hoy en día, sumergidos como estamos en una de las mayores crisis de la historia, desempeña un papel de desintoxicación, ya que el arte no se basa solo en la especulación de los mercados, sino en la expresión humana en su máxima potencia.

La profunda crisis económica/financiera, laboral y social en la que nos situamos es preocupante, pero no solo por la situación de desempleo, falta de solvencia económica o la caída de una sociedad de bienestar, sino también por la crisis espiritual que ha traído consigo de manera global. La crisis actual ha bloqueado la mente y el ánimo de la sociedad, en la que solo la economía lo ocupa todo.

Esta crisis es la consecuencia de una pérdida de valores profundos, donde la sociedad de consumo se ha impuesto y la codicia desmedida de unos pocos nos ha hecho toparnos con un muro de frialdad, donde el dinero y el lujo es la única base fundamental en la búsqueda de la felicidad, dejando de lado valores importantes inherentes al ser humano. Hoy en día, la ética y la moral en desaparición permiten que aflore la vanidad como sentimiento prioritario.

Hemos presenciando el surgimiento de una nueva sociedad, donde lo espiritual se ha ido desvaneciendo. Sin embargo, poco a poco resurge el sentimiento humano para instalarse de nuevo. El arte se convierte en salvaguarda y el artista en una especie de gurú que conecta varios espacios para alcanzar la perfección y la armonía.

Os lanzo la siguiente pregunta ¿Creéis que el artista debe reflejar en su obra la situación actual?

Por otra parte, es precisamente en tiempos de crisis donde el arte se convierte en “moneda” de cambio para especular con las grandes obras de arte. De esta manera, las obras maestras y artículos de prestigiosas procedencias no sienten la crisis, sino muy al contrario, las grandes fortunas y coleccionistas los solicitan. En cambio, los objetos de valor medio, los cuadros interesantes pero menos prestigiosos sí se ven afectados por la crisis.

Para un artista aun no consagrado, como es mi caso, me veo obligada a ajustar precios constantemente para poder acercarme al mercado potencial y vender mi obra. El concepto, re-inventarse es obligado, y de ahí el nacimiento de las “adaptaciones” de mis cuadros a otros formatos para llegar a más gente,

Por lo tanto, es claro, que la crisis afecta de manera distinta dependiendo de la procedencia y reconocimiento de la obra. Y por otra parte, debemos ser conscientes que el arte debe ser el puente que une lo material con lo energético para conectar con nuestro yo más profundo, dejando de lado la vanidad hacia una nueva reaparición de valores fundamentales.

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Saberse vender es un arte en si mismo

El arte de saber venderse

Existen una infinidad de pintores y diseñadores en el planeta, pero ¿qué es lo que hace que unos obtengan gran reconocimiento y otros se queden en las puertas? La respuesta en mi opinión, es la habilidad desarrollada para venderse ante el público objetivo, y no solo que sean mejores o peores los unos con respecto a los otros.

En numerosos casos aquel que se sabe vender mejor no tiene porque ser uno de los mejores dentro de su sector, pero sí ser extrovertido, tener altas dosis de confianza,y saber darse a conocer a la gente.

Cuando estudiaba Bellas Artes me di cuenta enseguida de esto. Muchos de mis compañeros eran brillantes pero tímidos o modestos y sus obras no destacaban a no ser que uno los buscará intencionadamente, mientras que otros no tan buenos, eran capaces de hacerte ver algo en sus creaciones que sin sus palabras carecían de interés.

Esta habilidad se puede extrapolar a todos los ámbitos de nuestra vida cotidiana, ya que podemos decir que nosotros mismos somos el producto en venta, ya sea cuando vamos a una entrevista, cuando tratamos de conquistar a la persona amada o impresionar a nuestros jefes. Utilizamos todos nuestro carisma y mejor cara para presentarnos como el idóneo “candidato/objeto de compra”.

Por esta razón, considero que “saberse vender” es un arte en si mismo, algo que debería enseñarse en las escuelas, ya que sería práctico en todos los aspectos de nuestras vidas, y en efecto, para los que nos dedicamos al mundo del arte, una oportunidad más de saber acercarnos a nuestros clientes y utilizar las palabras más certeras para llamar la atención y dirigir las miradas atentas hacia nuestra obra.

En resumen, yo creo que muchos grandes artistas (cantantes, escultores, pintores, etc.) se quedarán en las sombras a pesar de su inmenso talento, por no ser  buenos “comerciales” de su arte. Su obra se hará invisible ante un mundo cada vez más competitivo, si no se aplican en el arte de la venta.

¿Que opináis de lo expuesto?, ¿creéis que es más importante el talento en si mismo o el arte de saberse vender?

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Rol de las mujeres en el arte

rol de las mujeres en el arte

A pesar de que las mujeres a lo largo de la historia han sido activas en el arte, se nos ha dejado un legado sobre el rol femenino como modelos y musas para el hombre artista.

Tanto en museos como en los libros de historia no se hace mención a la aportación de las mujeres en el arte, pasando no a un segundo plano sino al olvido e invisibilización de sus creaciones.

De esta manera, en el sistema patriarcal, el papel de las mujeres se restringe al culto y se convierte en un objeto más en el lienzo con un sentido puramente estético.

Este proceso de exclusión de la mujer en el arte se debe al sistema androcéntrico del que aun somos víctimas (obviamente no solo en el campo artístico, sino desgraciadamente en todos los aspectos fundamentales de la vida; política, laboral, doméstica, etc.).

Las pocas mujeres que forman parte de los libros de historia, son presentadas de forma marginal, con unas pocas líneas en comparación con sus colegas masculinos.

En algunas ocasiones, se han llegado a atribuir cuadros pintados por mujeres a hombres, lo que nos da a entender que no hay diferencias objetivas. Sin embargo, cuando se ha verificado que la autora es femenina, el valor económico de la obra ha descendido drásticamente.

Con este artículo pretendo reanimar la voz femenina acallada, incapaz de aportar su opinión durante siglos. Como mujer no puedo mirar hacia a otro lado e ignorar mi pasado. Me veo en la obligación de desvelar una realidad, que a pesar de haber mejorado, aun quedan muchas cosas por cambiar y camino por recorrer para conseguir la igualdad de géneros en el arte, y en la sociedad en general.

Historia del arte

Hagamos un repaso de la historia para entender la evolución del papel de la mujer en el panorama artístico. Históricamente, las mujeres han tenido una presencia activa como artesanas y artistas a pesar de la inmensidad de obstáculos con los que se encontraron para dedicarse al arte debido exclusivamente a su género. Algunas mujeres, incluso consiguieron reconocimiento internacional, y sin embargo, la historia del arte las ha condenado al olvido.

En los principios de los tiempos de la humanidad, según estudios de antropología y arqueología, la mujer prehistórica no estaba sometida al varón. Su diosa sin rostro pero con atributos sexuales femeninos exagerados estuvo presente más de 20.000 años. En aquel entonces, las mujeres asumían tareas artísticas, como la producción de objetos de cerámica, textiles, cestería y joyería.

En la época grecorromana las mujeres participaban junto con los hombres en actividades culturales como la pintura, la poesía o la música.

La primera obra firmada por una mujer es un manuscrito del siglo X en colaboración con otro monje varón. Hasta el siglo XI los conventos eran dirigidos por abadesas, pero con la reforma gregoriana los hombres toman el poder.

En el siglo XII, se admiten mujeres viudas a talleres de artesanía en puestos que ocupaban sus maridos.

En el Renacimiento de los siglos XV y XVI, mejora el estatus social de las artistas mujeres individuales, pero aún dependen de los hombres para dedicarse al arte.

Dentro de las clases adineradas muchas jóvenes son instruidas por artistas consagrados, pero un gran número opta por casarse dejando atrás la carrera artística.

Cuando comienza la formación reglada en academias, rara vez se admitirán mujeres hasta el siglo XIX, ya que el acceso está controlado por hombres. Las mujeres admitidas, tenían prohibida la asistencia a las clases de dibujo del desnudo al natural, siendo restringido a los hombres hasta el siglo XX. Igualmente, la posibilidad de viajar al extranjero para completar sus estudios era impensable si no eran acompañadas de un varón.

El siglo XIX está lleno de grandes contradicciones, ya que por un lado, las mujeres van ganando derechos sociales y económicos y crece el número de mujeres artistas, pero por otro lado se relega a la mujer el papel de esposa, madre y cuidadora del hogar.

Durante la primera mitad del siglo XX, se destacan mujeres en la ilustración y la fotografía, vanguardias artísticas no sexistas y sin educación formal. También surgen las primeras sociedades y colectivos de mujeres artistas para combatir la discriminación de organismos oficiales como las academias.

Todo parece indicar que las limitaciones ya no existen, las mujeres tienen acceso libre a las academias, participan en exposiciones y concursos y copian desnudos al natural, sin embargo, los prejuicios siguen instaurados, al igual que las escuelas de arte son gestionadas por hombres, los críticos de renombre son hombres y los jurados de concursos están compuestos por hombres.

A finales de 1960, artistas e historiadores dentro del movimiento feminista reivindican la importancia del rol de la mujer y hacen hincapié en su presencia callada en la historia del arte.

¿Tienen que desnudarse las mujeres para entrar al Metropolitan?  Menos del 3% de los artistas en el museo son mujeres, pero el 83% de los desnudos son femeninos

Actualmente, existen grupos como las Guerrilla Girls que nacen para denunciar la discriminación sexual y racial en el arte, en el cine y la cultura. Este colectivo destapa información tan sorprendente como que Judith Leyster, coetánea a Frans Hals y con una pintura tan similar que algunos de sus cuadros se le atribuyeron al pintor, no obtuvo el mismo reconocimiento, o que muchas mujeres artistas adoptarán nombres masculinos y sus iniciales para ser tomadas en serio o aun más chocante el rechazo y la censura de la obra de una artista por mostrar la figura de un varón como objeto sexual, algo hiriente para la sensibilidad masculina cuando se pone en ese rol a un hombre, pero bien visto en el caso de una mujer.

 

A pesar de que aún queda mucho por ganar en el terreno de inclusión de la mujer, no sólo en el arte sino en la propia construcción social, se han conseguido varios logros y mi visión es positiva al respecto. Es por razón, que me ha parecido importante hacer visible el rol de la mujer en el arte, para poder seguir trabajando en pos de una equidad real.

Me encantaría que dejarías vuestras opiniones sobre este tema y me ayudéis a difundirlo para que entre todos podamos conseguir que el género no sea un impedimento para el desarrollo personal y profesional de mujeres y hombres en su conjunto.

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