Obras de arte con color al óleo

Obras de arte creadas con la técnica al óleo ofrecen enormes posibilidades cromáticas debido a su gran riqueza de matices y luminosidad. Para dominar este medio hace falta conocer en profundidad la teoría del color y las gamas cromáticas. Es, así mismo, un medio versátil que permite trabajar con colores muy opacos o con tonos casi transparentes, en función de la cantidad de aceite de linaza y esencia de trementina que se le añada a la obra de arte.

Para pintar obras de arte al óleo se realizan mezclas constantemente, modificando y ajustando el color en cada momento. En este artículo vamos a analizar los distintos aclarados y oscurecimientos de la pintura al óleo y sus mezclas de color para pintar la obra de arte. Así mismo, se analizará la teoría del color y se mostrarán las ganas cromáticas, cuestiones comunes a todos los procedimientos pictóricos, pero que con el óleo se pueden entender y practicar con comodidad, dado que se trata de un medio muy manejable y de secado lento.

Colores al óleo densos y opacos en obras de arte

Los colores al óleo son densos, con lo que la pasta que forma el color es lo suficientemente untuosa como para crear grandes gruesos de pintura en el lienzo. Al tener un secado lento, se puede retomar una sesión de trabajo al cabo de un cierto tiempo sin que el color se haya secado por completo.

El secado se produce gradualmente, desde la capa exterior del óleo hasta las interiores. Para que este secado se produzca correctamente debe cumplirse la norma general de trabajar graso sobre magro en la realización de las obras de arte, es decir, las primeras capas de color deben presentar más aguarrás, mientras que las últimas serán más espesas.

Se trata de un medio que se presenta opaco al salir del tubo, pero que se va aclarando al añadirle un disolvente; aceite de linaza y esencia de trementina.

Algunos pintores utilizan en sus obras de arte una aceitera simple para la solución y un bote con esencia de trementina para limpiar los pinceles.

Selección de los colores para las obras de arte

Para mezclar los colores con óleo es necesario previamente decidir qué colores se van a intervenir en la paleta y su cantidad. La gama armónica de las obras de arte dependen del motivo que se a pintar.

Si el objetivo es pintar un paisaje, sin duda, la selección de verdes en la paleta será superior a cualquier otra gama de colores; lo mismo sucede con la selección de azules, si la intención del pintor es pintar una marina.

Fases de mis cuadros

gato-frances fases mis cuadros

Pintar es para mi más que una afición, es mi pasión que me acompaña desde que era muy joven y a la que no puedo abandonar. Hay periodos de mi vida a los que le dedico más atención que otros, pero la pintura es mi más fiel compañero de viaje y espero que siga a mi lado por muchos más años.

Para decidir empezar a pintar un cuadro, necesito encontrar algo que me inspire, y en muchas ocasiones, encuentro esa inspiración en fotografías tomadas por mí, especialmente viajando que es cuando uno se relaja y ve todo con otros ojos.

Las fotografías en las que me apoyo para poder pintar el cuadro, son en blanco y negro, puesto que no quiero que los colores captados por la lente fotográfica me influyan y coartan mi libertad creativa. Prefiero dar rienda suelta a la imaginación en cuanto al color que puedo aplicar con pinceladas al lienzo, y si quiero poner un morado en una hoja de un árbol, me siento más cómoda si mi ojo no ve los colores de la fotografía. Realmente el color morado puede estar ahí, ya que ya sabemos, que los colores son influidos por los elementos que rodean al objeto y cómo la luz influye sobre ellos.

Si observamos el movimiento impresionista, nos damos cuenta que la luz es el protagonista, la luz descompone los colores en millones de colores que se influyen unos a otros para crear la composición final. Para mí la pintura impresionista siempre me ha fascinado, y creo que su influencia se puede palpar en mis cuadros.

Las fases pictóricas para realizar un cuadro

Una vez que tengo una foto en blanco y negro que me servirá de inspiración, comienzo el boceto con la técnica de carboncillo directamente sobre el lienzo. De esta manera encajo el dibujo a grandes rasgos, lo que me ayudará a continuación a dar las primeras pinceladas de color.

Con la figura o la escena encajada ya a carboncillo, paso un trapo por el lienzo para quitar las virutas de polvo que deja el carboncillo para que no se manchen los pinceles y los colores, dejando un dibujo muy suave que me permite ver la composición.

Comienzo entonces a pintar con grandes pinceladas las sombras y luces que componen la escena, todo a grandes rasgos y con la mano muy suelta sin tener en cuenta los detalles del cuadro, ya que esta será la fase final.

Cuando he conseguido dar volumen al cuadro con el juego de luces y sombras, paso a una segunda fase de color, donde amplio la gama de colores aplicada y empiezo a delinear un poco más los elementos que componen la escena.

Normalmente, lo hago en varias sesiones, dejando reposar la pintura y observando el cuadro para tomar decisiones sobre cómo continuar el cuadro.

Mientras estoy pintando, doy pinceladas rápidas al principio y en las últimas fases utilizo pinceles más finos para los acabados y detalles. En todas las sesiones, también me paro a ratos para poder ver el resultado y saber donde se necesita un color u otro para conseguir la armonía y una lectura adecuada del cuadro.

Os puedo asegurar que no siempre el resultado del cuadro es el esperado y a veces cuando está mal encaminado toca corregir o incluso tomar la decisión de borrar y volver a empezar.

Por esa razón, cuando un cuadro decido que está acabado y el resultado me parece bueno, la satisfacción es enorme. Partir de un lienzo en blanco sin saber muy bien la hoja de ruta y ver al final el cuadro acabado, es una sensación increíble.

Os dejo un video para que veáis estas fases que he explicado sobre el cuadro “gato francés”. Espero que os guste tanto como a mí haberlo realizado.


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